Jennifer Bartlett : tableaux, style et héritage
Jennifer Bartlett :
Peintures, vie et héritage
Jennifer Bartlett a construit l'une des œuvres les plus ambitieuses de l'art américain d'après-guerre à partir de 988 plaques d'acier et de quatre images récurrentes – et ce faisant, elle a défini les termes de la peinture postminimaliste pour toute une génération.
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La vie et l'art de Jennifer Bartlett
Jennifer Bartlett est née le 14 mars 1941 à Long Beach, en Californie, et a grandi dans une famille qui encourageait l'ambition artistique dès la petite enfance. Elle a étudié au Mills College à Oakland avant de transférer à la Yale School of Art and Architecture, où elle a obtenu son Bachelor of Fine Arts en 1963 et son Master of Fine Arts en 1965. Yale était à cette époque un centre de débat formaliste et de pensée critique rigoureuse sur la relation entre la peinture, la sculpture et l'esthétique minimaliste nouvellement codifiée ; Bartlett a absorbé ces arguments tout en les dépassant déjà. Parmi ses professeurs figurait Jack Tworkov, et parmi ses camarades de classe, Brice Marden et Chuck Close, une cohorte qui allait définir une grande partie de la peinture américaine des trois décennies suivantes. Après avoir obtenu son diplôme, elle s'est installée à New York, où elle est devenue partie intégrante d'un monde artistique du centre-ville qui répondait et résistait simultanément à l'héritage du minimalisme. Les peintures de Jennifer Bartlett du début des années 1970 montrent déjà une préoccupation caractéristique pour les systèmes, la sérialité et la relation entre la marque individuelle et la structure totalisante qui la contient.
L'œuvre qui a établi la réputation internationale de Bartlett est Rhapsody, achevée en 1976 et exposée pour la première fois dans son intégralité à la Paula Cooper Gallery de New York. L'œuvre comprend 988 plaques d'acier émaillées d'un pied carré installées en séquence le long de 153 pieds de mur, chaque plaque portant des points sérigraphiés disposés en grille sur lesquels Bartlett a peint à l'émail. Les quatre motifs récurrents — une maison, un arbre, un océan, une montagne — apparaissent sur les plaques dans toutes les combinaisons de style, d'échelle, de saison et de technique, des points pointillistes à la couleur plate en passant par le travail au pinceau gestuel. Le résultat est simultanément une investigation systématique des conventions picturales de la peinture et une méditation approfondie sur le paysage comme réceptacle de la projection humaine. L'ambition de Rhapsody — d'explorer toute la gamme des possibilités de la peinture dans une seule œuvre continue — n'avait pas de précédent dans l'art américain d'après-guerre, et son impact critique fut immédiat. Bartlett a été nommée Guggenheim Fellow et sa réputation a été établie des deux côtés de l'Atlantique.
Dans les décennies qui ont suivi Rhapsody, Bartlett a continué à produire des œuvres à grande échelle, étendant ses recherches sur les motifs de la maison et du jardin à des installations tridimensionnelles, des sculptures en bronze et une série de peintures réagissant à un jardin de Nice qu'elle a observé à travers une fenêtre pendant l'hiver 1979-1980. La série In the Garden, qui a généré plus de deux cents peintures sur plusieurs années, a démontré sa capacité à maintenir une investigation intensive d'un seul motif sans l'épuiser. Elle a reçu le prix de l'American Academy of Arts and Letters en peinture, a été élue à l'Académie elle-même, et a vu des rétrospectives majeures montées dans des musées tels que le Brooklyn Museum et le Walker Art Center. Elle est décédée le 25 juillet 2022 à Amagansett, New York, laissant derrière elle un corpus d'œuvres qui avait constamment repoussé les limites de ce qu'une peinture pouvait contenir.
Bartlett a travaillé sur des plaques d'acier émaillées imprimées d'une grille de points sérigraphiés, utilisant la grille à la fois comme contrainte structurelle et comme élément visuel — un système qui forçait chaque marque à entrer dans une relation définie avec toutes les autres marques sur des centaines d'unités individuelles. Cette utilisation du module sérialisé comme véhicule pour une variété picturale maximale, plutôt que comme réduction minimaliste, l'a placée au centre du projet postminimaliste des années 1970.
Œuvres clés : les peintures les plus importantes de Jennifer Bartlett
De l'ambition encyclopédique de Rhapsody à l'intimité soutenue de la série du jardin, ces œuvres retracent le développement complet de la pratique systématique et pourtant profondément personnelle de Jennifer Bartlett.
Rhapsody
Composée de 988 plaques d'acier émaillées d'un pied carré installées sur 153 pieds de mur, Rhapsody est l'œuvre phare de la carrière de Jennifer Bartlett et l'une des peintures les plus ambitieuses formellement produites dans l'Amérique d'après-guerre. L'œuvre utilise quatre motifs récurrents — une maison, un arbre, un océan et une montagne — représentés sur les plaques dans toutes les combinaisons imaginables de style pictural, des points pointillistes aux couleurs plates audacieuses en passant par les coups de pinceau gestuels lâches, et à travers toutes les saisons, échelles et variations compositionnelles que Bartlett a pu concevoir. La grille de points sérigraphiés sur chaque plaque fonctionne simultanément comme une armature structurelle et comme un élément visuel à part entière, attirant l'attention sur les conditions matérielles et procédurales de la création de l'œuvre. Les peintures de Jennifer Bartlett avant et après Rhapsody explorent les mêmes préoccupations systématiques, mais aucune n'atteint la même ambition totalisante et soutenue.
Lors de sa première exposition à la Paula Cooper Gallery de New York en 1976, Rhapsody occupait toute la galerie et fut immédiatement reconnue comme une œuvre d'une importance exceptionnelle. Le critique John Russell, écrivant dans le New York Times, la décrivit comme l'œuvre la plus ambitieuse qu'il ait rencontrée depuis des années. La proposition de l'œuvre — que la peinture puisse englober toute son histoire de conventions dans un champ continu unique — fut comprise comme une réponse directe et originale à l'impasse que le minimalisme semblait avoir créée pour la peinture. Le MoMA a acquis l'œuvre et elle est restée l'une des peintures les plus discutées de la collection d'après-guerre du musée.
Rhapsody a démontré que les contraintes systématiques du minimalisme et les libertés expressives du geste pictural n'étaient pas mutuellement exclusives mais pouvaient coexister au sein d'une même œuvre — une démonstration qui a ouvert la voie à une grande partie de la peinture pluraliste de la décennie suivante.
Dans le jardin
Initié durant l'hiver 1979-1980, lorsque Bartlett loua une maison à Nice et passa des mois à observer un jardin clos négligé depuis la fenêtre de son atelier, la série Dans le jardin généra finalement plus de deux cents tableaux — chacun étant une réponse distincte au même espace extérieur délimité. Le jardin, avec sa piscine, sa table, sa chaise et ses plantations luxuriantes, devint pour Bartlett ce que les nymphéas de Giverny furent pour Monet : un sujet fixe auquel elle pouvait revenir sans cesse, révélant différentes conditions de lumière, de météo, de saison et d'humeur. Les tableaux vont de compositions géométriques très contrôlées à de larges toiles gestuelles, chacun étant une œuvre indépendante mais faisant partie d'un ensemble reconnaissable.
La série fut exposée par sélections à la Locks Gallery à Philadelphie et chez Paula Cooper à New York, et un catalogue important documenta l'étendue complète du projet. Les tableaux Dans le jardin représentent l'engagement le plus soutenu de Bartlett avec le paysage comme véhicule de projection psychologique — l'enclos du jardin reflétant l'enclos de l'atelier de travail — et ils introduisent une spontanéité du toucher pictural plus ouvertement sensuelle que les œuvres sur plaques d'acier de la décennie précédente. Ils restent parmi les œuvres les plus admirées de sa production et ont démontré que l'intelligence systématique de Rhapsody était entièrement compatible avec les exigences d'une peinture d'observation soutenue.
La série Dans le jardin a établi que la méthode systématique de Bartlett pouvait englober l'observation directe aussi complètement qu'elle avait englobé les propositions conceptuelles, comblant le fossé entre la procédure post-minimaliste et l'ancienne tradition du paysage peint.
Nageur perdu dans la nuit (pour Tom Hess)
Produit deux ans après Rhapsody et dédié au critique Thomas Hess, décédé en 1978, Nageur perdu dans la nuit appartient à un groupe de grandes œuvres sur plaques dans lesquelles Bartlett étendait l'approche systémique de Rhapsody vers un territoire émotionnel plus concentré. La figure du nageur — motif récurrent dans l'œuvre de Bartlett de cette période — apparaît sur une séquence de plaques dans des états de dissolution progressive, le corps perdant sa définition sur un fond assombri. La dimension élégiaque de la dédicace confère aux procédures formelles de l'œuvre une charge émotionnelle que le plus encyclopédique Rhapsody distribue plus uniformément.
L'œuvre démontre la capacité de Bartlett à faire en sorte que les contraintes systématiques de sa méthode de plaques et de grille servent des fins expressives sans abandonner la rigueur de la méthode. La répétition du nageur sur plusieurs plaques, chacune rendue légèrement différemment, crée un effet de séquence temporelle — la figure vue à différents moments, dans différentes conditions de visibilité — qui s'approche du narratif sans se résoudre en histoire. Cette oscillation entre le systématique et le ressenti personnel est l'une des qualités définissant les œuvres les plus réussies de Bartlett.
Bartlett sérigraphiait la grille de points sur chaque plaque avant de peindre, s'assurant que l'armature structurelle était identique sur toutes les unités ; toute variation d'effet visuel résultait entièrement de ses marques peintes plutôt que d'incohérences dans le support.
Digue
Peinte au milieu des années 1980, alors que Bartlett élargissait sa pratique pour inclure de grandes toiles aux côtés des œuvres sur plaques d'acier, Digue appartient à un groupe d'œuvres dans lesquelles les motifs paysagers élémentaires de Rhapsody — l'océan, l'horizon, la rencontre de l'eau et de la terre — sont revisités dans un format plus ouvertement pictural. Le format de la toile libérait Bartlett des contraintes structurelles de la grille de plaques et permettait des passages gestuels plus larges, mais l'œuvre conserve la délibération caractéristique de ses meilleures peintures : chaque section semble réfléchie et nécessaire, résultat d'une pensée systématique appliquée à la sensation directe.
Le Brooklyn Museum a acquis l'œuvre dans le cadre de son engagement continu à collectionner des exemples significatifs de la peinture américaine d'après-guerre, et elle a été incluse dans de nombreuses enquêtes sur la période. Les toiles tardives des années 1980 représentent une tension productive entre la pensée basée sur des systèmes qui a produit Rhapsody et les exigences plus immédiates du travail direct à la peinture sur lin tendu — une tension que Bartlett a gérée avec une intelligence caractéristique et qui confère à l'œuvre de cette période sa vitalité particulière.
Digue démontre que les motifs paysagers explorés pour la première fois dans Rhapsody pouvaient soutenir une attention soutenue tout au long d'une carrière — que ce n'étaient pas des sujets épuisables mais inépuisables, révélant des significations différentes à chaque retour.
Maison sur l'eau
Parmi les œuvres tardives les plus complexes de Bartlett, Maison sur l'eau combine des panneaux de toile et des sections de plaques d'acier émaillées dans une seule installation, ramenant le motif de la maison — déployé pour la première fois dans Rhapsody — à un examen soutenu et concentré. La maison dans l'œuvre de Bartlett n'est jamais simplement un sujet domestique ; elle fonctionne comme une image de la tentative de l'individu de construire un abri stable dans un monde instable, et la combinaison des médiums ici — la grille fixe des plaques aux côtés du sol plus libre de la toile — met en scène la tension entre système et sensation qui définit toute sa pratique.
L'œuvre fut exposée à New York et reçut une attention critique prolongée de la part d'écrivains tels que Roberta Smith et Kay Larson, qui la placèrent dans le contexte de la reconsidération, à la fin des années 1980, de la relation de la peinture à l'architecture et à l'environnement bâti. Sa combinaison de motifs paysagers et domestiques, rendus sur deux supports picturaux distincts, représente l'une des réalisations les plus formellement sophistiquées de la fin de carrière de Bartlett et démontre la cohérence des préoccupations sous-jacentes qui ont animé son œuvre à partir de Rhapsody.
Maison sur l'eau synthétise les deux formats principaux de la pratique de Bartlett — la grille de plaques et la toile peinte — en une seule œuvre, démontrant que le systématique et le pictural n'ont jamais été opposés mais des aspects complémentaires d'une seule et même recherche soutenue.
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Explorer la collection Bartlett →Héritage : Comment Jennifer Bartlett a façonné la peinture américaine
L'influence de Bartlett sur la génération de peintres américains qui ont émergé dans les années 1980 et 1990 fut considérable. Terry Winters, dont les premières peintures combinaient une structure systématique avec un motif organique d'une manière directement redevable à l'exemple de Bartlett, a reconnu son œuvre comme formatrice. Le déploiement par Jonathan Lasker de zones distinctes de convention picturale au sein d'une même toile — des zones de différents types de marques coexistant sans se résoudre en une surface unifiée — devait beaucoup au précédent de Rhapsody, où la coexistence de multiples styles de peinture au sein d'un même cadre fut pleinement démontrée pour la première fois. Carroll Dunham et Cecily Brown, travaillant dans des idiomes très différents, bénéficient tous deux de la permission que la pratique de Bartlett a donnée à l'idée que le plaisir pictural et la rigueur intellectuelle n'ont pas besoin d'être opposés. Plus largement, sa démonstration dans Rhapsody que la peinture pouvait explorer ses propres conventions au sein d'une seule œuvre a anticipé la peinture auto-consciente et historiquement consciente qui a dominé le discours des deux décennies suivantes.
Au niveau institutionnel, la carrière de Bartlett fut marquée par une reconnaissance constante des plus importants musées américains et des voix critiques. Le Museum of Modern Art, le Walker Art Center, le Brooklyn Museum et l'Albright-Knox Gallery ont tous collectionné son œuvre. La Paula Cooper Gallery l'a représentée pendant toute sa carrière, lui offrant un foyer institutionnel stable dont l'engagement envers la peinture sérieuse a façonné le contexte dans lequel son œuvre a été reçue. Elle a reçu la Médaille Skowhegan pour la peinture, le Prix de l'Académie américaine des arts et des lettres, et a été élue à l'Académie elle-même. Des rétrospectives au Brooklyn Museum en 1985 et par la suite dans d'autres musées américains ont dressé un tableau complet de ses réalisations pour un public institutionnel.
Pour les spectateurs contemporains, les peintures de Jennifer Bartlett revêtent une résonance particulière dans un monde de l'art qui est revenu, après des décennies d'expansion multimédia, à un engagement soutenu avec l'histoire de la peinture. Sa démonstration que la grille — la plus réductrice des structures modernistes — pouvait être un véhicule d'abondance picturale plutôt que de réduction ascétique reste l'une des propositions les plus génératrices de l'art américain d'après-guerre. Les quatre motifs élémentaires qu'elle a déployés dans Rhapsody — maison, arbre, océan, montagne — sont aussi archétypaux aujourd'hui qu'ils l'étaient en 1976, et la patience et l'intelligence avec lesquelles elle les a explorés pendant quarante ans de travail soutenu établissent une norme à laquelle les peintres ultérieurs continuent de se mesurer.
Jennifer Bartlett : Toute l'étendue de l'œuvre
L'ambition de Jennifer Bartlett a toujours été de tout peindre — chaque technique, chaque convention, chaque échelle, chaque saison — et de le faire au sein de systèmes suffisamment rigoureux pour rendre la totalité cohérente. Rhapsody a été la réalisation la plus complète de cette ambition, mais les peintures de jardin, la série des nageurs et les toiles tardives démontrent toutes la même conviction sous-jacente : que les possibilités de la peinture ne sont pas épuisables, que chaque retour à un motif révèle quelque chose d'indisponible lors de la rencontre précédente.
Son décès en 2022 a été largement pleuré par le monde de l'art américain, et l'attention rétrospective portée à son œuvre depuis a confirmé l'ampleur et la profondeur de sa contribution. En une pratique s'étendant sur six décennies, elle a produit une œuvre à la fois systématiquement rigoureuse et sensuellement vivante — une combinaison qui la place parmi les peintres américains les plus significatifs du XXe siècle.