Mange-moi La Gloutonnerie ou La Luxure 1976 par Lygia Pape
Mange-moi. La Gloutonnerie ou La Luxure
Le dialogue provocateur de Lygia Pape avec le corps et le désir
Émergeant du mouvement néo-concrétiste radical dans le Brésil des années 1970, Eat Me. The Gluttony or Lust (Mange-moi. La Gloutonnerie ou La Luxure) se dresse comme l'une des œuvres les plus provocantes de Lygia Pape. Créée en 1976, cette pièce distille la fascination de l'artiste pour la fragilité du corps et les tensions viscérales entre le plaisir et la consommation. Le titre lui-même — un ordre direct, presque impératif — encadre l'œuvre comme une invitation et un avertissement, une dualité qui imprègne l'œuvre de Pape. Contrairement à ses abstractions géométriques antérieures, cette composition se penche vers le grotesque, utilisant des formes organiques et une palette qui oscille entre le charnel et le clinique. La pièce reflète la turbulence politique du Brésil de l'époque, où la censure et la répression ont fait du corps un site contesté de contrôle et de libération.
L'approche de Pape ici diverge du rationalisme froid de l'art concret, embrassant plutôt le désordonné, le tactile et le psychologiquement chargé. Les textures superposées et les formes ambiguës de l'œuvre résistent à une interprétation facile, exigeant que les spectateurs affrontent leur propre malaise. Comme le note la rétrospective de Pape au MoMA, ses œuvres ultérieures ont souvent « armé la sensualité » pour critiquer les normes sociétales, et Eat Me en est un exemple. L'immédiateté brute de la pièce — réalisée à travers des techniques mixtes sur papier — crée une tension entre le fait main et le mécanique, une caractéristique de la capacité de Pape à fusionner l'artisanat avec la rigueur conceptuelle.
Néo-Concrétisme et la politique du corps
Au milieu des années 1970, Lygia Pape avait depuis longtemps abandonné le formalisme strict de sa première carrière, canalisant plutôt son énergie dans des œuvres qui interrogeaient le pouvoir, le genre et la forme humaine. Eat Me. The Gluttony or Lust est apparue à un moment charnière : la dictature militaire brésilienne (1964-1985) était entrée dans sa phase la plus répressive, et des artistes comme Pape utilisaient leur pratique pour subvertir les récits contrôlés par l'État. Contrairement à ses contemporains du mouvement néo-concrétiste — tels que Hélio Oiticica ou Lygia Clark —, le travail de Pape de cette période évitait souvent les éléments participatifs au profit d'une imagerie provocatrice. Cette pièce, avec son titre suggestif et ses abstractions charnelles, aborde directement les thèmes de la consommation, à la fois littérale et métaphorique.
La création de l'œuvre a coïncidé avec l'intérêt croissant de Pape pour le corps comme site de résistance. Alors que sa série Divisor des années 1960 explorait l'identité collective à travers le tissu et le mouvement, Eat Me se tourne vers l'intérieur, se concentrant sur la relation de l'individu avec le désir et l'excès. Les surfaces superposées de l'œuvre — en partie dessin, en partie collage — reflètent la complexité de ses thèmes, rejetant la platitude de l'abstraction moderniste au profit d'une densité plus viscérale, presque baroque. Comme l'observe The Art Story, les œuvres ultérieures de Pape « démantèlent la frontière entre l'art et la vie », et cette pièce incarne cette philosophie à travers sa matérialité inflexible.
Le Eat Me de Pape ne se contente pas de représenter la gloutonnerie, il l'incarne. Les surfaces tactiles et les formes ambiguës de l'œuvre obligent les spectateurs à confronter leur propre complicité dans les systèmes de consommation, qu'ils soient politiques, sexuels ou économiques.
La fabrication d'une provocation
Composition : Fragmentation et Flux
La composition de l'œuvre défie l'équilibre traditionnel, utilisant plutôt un déséquilibre délibéré pour troubler le spectateur. Pape arrange des formes organiques, presque viscérales, d'une manière qui suggère à la fois la croissance et la décomposition — les formes semblent palpiter vers l'extérieur depuis le centre, pour ensuite se dissoudre en bords déchiquetés. Cette tension entre expansion et effondrement reflète les préoccupations thématiques de l'œuvre concernant le désir et ses conséquences. L'absence d'un point focal clair force l'œil à errer, reproduisant la qualité agitée et insatiable impliquée par le titre.
Matérialité : Le Tactile et le Transgressif
L'utilisation par Pape de techniques mixtes — encre, gouache et éléments collés — crée une surface qui relève autant de la texture que de l'image. Les matériaux superposés produisent une qualité tactile qui invite et repousse à parts égales, tout comme le sujet de l'œuvre. Les zones de pigment dense contrastent avec des sections où le papier lui-même fait partie de la composition, son grain et ses déchirures ajoutant au sentiment de fragilité. Cette honnêteté matérielle souligne le rejet de l'artifice par Pape, une position qui l'alignait sur l'appel du manifeste néo-concrétiste à une « nouvelle objectivité » enracinée dans l'expérience vécue.
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Sources et lectures complémentaires
- MoMA. "Lygia Pape : Une multitude de formes." The Museum of Modern Art, 2021.
- The Art Story. "Lygia Pape : Néo-Concrétisme et au-delà." The Art Story Foundation, 2023.
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