Dipinti di Alphonse Allais: Opere d'Arte Famose, Stile ed Eredità
Assurdismo · Monocromo · Francese · 1854–1905
Alphonse Allais
Dipinti
Alphonse Allais utilizzò l'apparato della pittura contro se stesso, producendo tele monocromatiche con titoli inespressivi che anticiparono l'arte Concettuale di sessant'anni e dimostrarono che uno scherzo poteva essere la cosa più seria in una stanza.
Cornuti Itterici che Maneggiano Ocra · 1883
Chi era Alphonse Allais?
I dipinti di Alphonse Allais rappresentano uno degli interventi più audaci nella storia dell'arte — tanto più notevoli perché realizzati nel 1883, quando gli Impressionisti stavano ancora lottando per il riconoscimento e l'idea di una tela bianca come opera d'arte completata era letteralmente inconcepibile. Nato il 20 ottobre 1854 a Honfleur, in Normandia — la stessa città portuale che attrasse Boudin, Jongkind e il giovane Monet — Allais si trasferì a Parigi nei suoi primi vent'anni e si immerse nella cultura letteraria e del cabaret di Montmartre. Divenne una figura centrale al Chat Noir, il leggendario cabaret del 18° arrondissement che fungeva da centro sociale per i Decadenti, i Simbolisti e gli Idropatici, un gruppo letterario satirico che lui stesso contribuì a fondare.
Nel 1882, il poeta Paul Bilhaud espose un rettangolo uniformemente nero al Salon des Arts Incohérents di Parigi con il titolo Combat de nègres dans un tunnel. Gli Incohérents erano un collettivo eterogeneo dedito all'assurdismo anti-accademico, e i loro saloni annuali erano progettati per deridere le pretese della cultura artistica ufficiale francese. Allais, che fu tra i più prolifici contributori agli Incohérents, riconobbe nella provocazione di Bilhaud un intero genere in attesa di essere sistematizzato. Tra il 1883 e il 1897 produsse una serie di dipinti monocromatici — ciascuno un unico campo piatto di colore — con titoli che esplicitavano la scena narrativa che la superficie vuota avrebbe dovuto raffigurare. Un rettangolo bianco divenne Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve. Un campo rosso divenne Cardinali Apoptici che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso. Una distesa grigia divenne un'immagine di ubriachi cinerini che svanivano nella nebbia. La logica era coerente: il colore e il soggetto corrispondevano, e il divario tra il pomposo titolo descrittivo e la superficie pittorica vuota era il luogo dove la battuta — e l'argomento — vivevano.
Allais morì il 28 ottobre 1905 a Parigi, dopo aver trascorso la sua carriera principalmente come giornalista e umorista per pubblicazioni come Le Chat Noir e Le Sourire. Pubblicò raccolte di brevi brani in prosa e aforismi che sono ancora letti in Francia come classici della letteratura assurda. I dipinti monocromatici occuparono una parte relativamente piccola della sua produzione ma costituiscono, in retrospettiva, di gran lunga il suo contributo più significativo alla storia dell'arte — un contributo che rimase in gran parte sconosciuto fino a quando il ventesimo secolo non iniziò a produrre artisti che avevano bisogno esattamente del precedente da lui stabilito.
Il metodo di Allais era brutalmente semplice: selezionare un colore, dipingere l'intera tela con quel colore, scrivere un titolo che associasse il colore a una scena in cui quel colore avrebbe logicamente predominato, ed esporre il risultato con completa serietà.
La serie monocromatica di Allais funziona come un unico, esteso argomento sul rapporto tra linguaggio e visione, titolo e immagine, aspettativa e realizzazione. Ogni opera della collezione Zephyeer presenta una proposizione in quell'argomento — precisa, inespressiva, e ancora sorprendentemente divertente dopo più di un secolo.
01
Serie Monocromatica
Cornuti Itterici che Maneggiano Ocra
Cornuti Itterici che Maneggiano Ocra esemplifica la logica strutturale della serie monocromatica di Allais con particolare economia: l'ittero è giallo, l'ocra è gialla, la vergogna tradizionale del cornuto è associata al giallo. I tre gialli si fondono in un unico campo piatto. Il titolo narra una scena; la tela non mostra altro che il colore che unifica tutti i suoi partecipanti. Il divario tra il ricco dramma sociale implicato dal titolo e l'assoluta vuotezza della superficie è calibrato con precisione.
Esposta al Salon des Arts Incohérents, l'opera fu accolta come uno scherzo — il che è — ma Allais stava anche portando avanti un serio argomento sulle convenzioni della pittura narrativa, in cui i titoli promettevano regolarmente scene di grande drammaticità che la tela poteva solo approssimare. I suoi monocromi mantengono completamente la promessa di colore del titolo, pur negando tutto il resto, esponendo la relazione arbitraria tra rappresentazione pittorica e descrizione verbale.
Il dipinto dimostra che un titolo non è una descrizione di un'immagine, ma un insieme di istruzioni su come leggerla — istruzioni che possono essere manipolate per far sì che una tela vuota significhi qualcosa di molto specifico.
02
Serie Monocromatica
Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve
Il monocromo bianco è l'opera più formalmente estrema della serie di Allais — una tela che non presenta altro che la propria superficie, giustificata da un titolo che accumula ossessivamente bianchezza: neve, anemia, gli abiti bianchi della prima comunione, il pallore delle adolescenti. Ogni elemento della scena è bianco; la tela è bianca; l'equazione è completa e completamente assurda.
Quest'opera precede Bianco su Bianco di Kasimir Malevich di oltre tre decenni e i monocromi bianchi di Yves Klein di oltre sessant'anni. Allais arrivò alla tela bianca vuota non attraverso alcun programma mistico o trascendentale, ma attraverso il più mondano degli espedienti comici: l'abbinamento del colore al sostantivo. Il risultato, nonostante la sua origine farsesca, ha la stessa cruda forza visiva dei suoi discendenti più celebrati.
Ogni tela bianca nell'arte occidentale, da Malevich a Rauschenberg a Robert Ryman, porta un piccolo, inespresso debito all'uomo che per primo si chiese se un titolo da solo potesse riempirne una.
03
Serie Monocromatica
Cardinali Apocrifi che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso (Studio dell'Aurora Boreale)
Il monocromo rosso è il più barocco dei titoli di Allais: l'apoplessia arrossa il viso, i cardinali indossano vesti rosse, i pomodori sono rossi, il Mar Rosso è rosso di nome, e l'aurora boreale può essere rossa. Il sottotitolo tra parentesi — "Studio dell'Aurora Boreale" — arriva come un secondo colpo di scena, una finta giustificazione scientifica che moltiplica l'eccessivo inventario rosso già presente nel titolo. La tela sotto tutta questa descrizione è un campo uniforme di pittura rossa, una delle più efficienti performance di sovraccarico logico nella storia dell'umorismo europeo.
La struttura del dipinto — un apparato verbale sempre più gonfiato su una superficie pittorica completamente piatta — anticipa le strategie degli artisti Concettuali che, decenni dopo, avrebbero scoperto che il linguaggio poteva essere il materiale primario di un'opera d'arte visiva. Allais ci arrivò per primo, partendo dalla direzione della battuta piuttosto che dal manifesto.
Allais capì che un titolo sufficientemente elaborato funziona come una sorta di rumore visivo — affolla l'immaginazione dello spettatore con immagini così completamente che la tela vuota non diventa un vuoto ma un'ouverture.
04
Serie Monocromatica
Banda di Frati Grigi nella Nebbia (Banda di Ubriachi Polverosi nella Nebbia)
Il monocromo grigio presenta il metodo di Allais nella sua forma più leggibile. I frati grigi indossano abiti grigi; la nebbia è grigia; gli ubriachi pallidi per il cattivo vino assumono una tonalità grigia; la polvere è grigia. Il doppio titolo — sia i rispettabili "Frati Grigi" che gli squalificati "Ubriachi Polverosi" abitano la stessa scena — suggerisce che il campo grigio accoglie letture sociali contraddittorie senza differenziazione, esattamente come fa effettivamente la nebbia.
Il motivo della nebbia collega Allais alla più ampia fascinazione di fine Ottocento per gli effetti atmosferici — i notturni di Whistler, le serie di Monet — ma Allais inverte il loro progetto romantico. Laddove Whistler e Monet trovavano nella nebbia un veicolo per sottili gradazioni tonali, Allais comprime tutta quella gradazione in un unico grigio indifferenziato e lascia che sia il titolo a svolgere il lavoro atmosferico.
Il monocromo grigio è l'opera più serena visivamente della serie e la più democraticamente sociale: nella sua nebbia, tutte le classi e tutte le reputazioni sono ugualmente invisibili e ugualmente presenti.
05
Serie Monocromatica
Alcuni papponi, conosciuti come Green Backs, a pancia in giù sull'erba, bevendo assenzio
Il monocromo verde è l'opera socialmente più trasgressiva della serie — il suo titolo combina il disprezzo di classe, la degradazione corporea e il verde specifico dell'assenzio, il veleno alla moda di Montmartre, con il verde dell'erba e il verde delle banconote. La parola "verde" non compare nel titolo, ma ogni sostantivo in esso è verde; la tela fornisce la sintesi.
L'assenzio era la bevanda dei bohémien e degli emarginati nella Parigi degli anni '80 dell'Ottocento, e Allais — che frequentava gli stessi locali degli uomini descritti nel suo titolo — conosceva il suo soggetto. Il dipinto appartiene allo stesso momento culturale de L'Assenzio di Degas e delle scene di bar di Toulouse-Lautrec, ma la rappresentazione di Allais svuota tutta la psicologia e la sostituisce con un singolo, inequivocabile campo di colore. L'effetto è più grottesco e considerevolmente più divertente.
Ponendo la sua scandalosa scena interamente nel titolo e lasciando la tela vuota, Allais assicura che l'immaginazione dello spettatore faccia tutto il lavoro — e si assuma tutta la responsabilità morale per ciò che vi immagina.
06
Serie Monocromatica
Lo stupore delle reclute della Marina che vedono per la prima volta il tuo Blu, O Mar Mediterraneo!
Il monocromo blu è il titolo più lirico della serie, e il più retoricamente stravagante. L'apostrofe — il diretto indirizzo al Mediterraneo in seconda persona — importa l'intero apparato della poesia romantica in una tela che risponde a tutto questo ardore verbale con un piatto rettangolo di pittura blu. Lo stupore delle reclute è descritto nel titolo; la tela mostra loro nient'altro che l'oggetto di quello stupore, non diluito e non mediato.
Il dipinto precede i famosi monocromi IKB (International Klein Blue) di Yves Klein di oltre settant'anni, e la logica concettuale è quasi identica: un campo saturo di blu che si presenta come un incontro con qualcosa di vasto e travolgente. Klein arrivò ai suoi monocromi attraverso il misticismo e il judo; Allais arrivò ai suoi attraverso l'umorismo giornalistico. I risultati sono formalmente indistinguibili.
Che il blu di Allais e il blu di Klein siano la stessa mossa, raggiunta da direzioni opposte, è la prova più chiara che il suo lavoro apparteneva alla storia dell'arte da sempre — ci sono voluti solo ottant'anni alla storia dell'arte per accorgersene.
6 Stampe di Alphonse Allais, Qualità Museale
Incorniciate in modo sostenibile · Carta d'archivio · Pronte per essere appese
L'Eredità di Alphonse Allais
La linea che va da Allais all'arte del ventesimo secolo attraversa diverse generazioni di artisti che potrebbero o meno aver conosciuto il suo nome. I ready-made di Marcel Duchamp — oggetti il cui status di arte era interamente determinato dal loro titolo e contesto — operano sullo stesso principio dei monocromi di Allais: l'opera d'arte è nel gesto di nomina, non nell'oggetto stesso. I monocromi blu di Yves Klein della fine degli anni '50, il Quadrato Nero (1915) e il Bianco su Bianco (1918) di Kazimir Malevich, i dipinti neri di Ad Reinhardt, il de Kooning cancellato di Robert Rauschenberg — tutti questi partecipano a un dibattito che Allais aveva già avviato, dall'improbabile piattaforma di una rivista di umorismo da cabaret parigino, nel 1883. Più recentemente, artisti come Maurizio Cattelan hanno perseguito strategie simili di commedia concettuale, ponendo titoli assurdi contro oggetti bianchi o minimi per esporre l'apparato istituzionale che conferisce alle opere d'arte la loro autorità.
La presenza istituzionale di Allais è necessariamente esile — morì nel 1905 e trascorse la sua vita producendo giornalismo effimero piuttosto che dipinti pronti per essere esposti — ma i suoi monocromi sono stati riprodotti e discussi in ogni importante resoconto dell'arte proto-Concettuale e Concettuale dagli anni '60 in poi. Il Centre Pompidou di Parigi, la Bibliothèque nationale de France e varie collezioni private conservano materiali documentari della sua carriera. I suoi scritti in prosa rimangono in stampa in Francia, e nuove traduzioni dei suoi aforismi e racconti continuano ad apparire in inglese. La sua reputazione storico-artistica, a lungo confinata alle note a piè di pagina, è ora qualcosa di più simile a un capitolo.
In un interno contemporaneo, una stampa di Alphonse Allais funziona come un pezzo da conversazione nel senso più esatto: richiede una conversazione su cosa sia e se possa essere considerata un dipinto, che è proprio la conversazione che Allais intendeva avviare. Le opere sono anche, formalmente, tra gli oggetti più versatili disponibili per un interior designer — un campo di colore preciso in una qualsiasi delle sei tonalità di Allais ancorerà la storia del colore di una stanza con un rumore visivo minimo e un massimo peso concettuale. La tradizione minimalista nell'arte raramente è stata espressa in modo più succinto, o raggiunta in modo più divertente.
Domande Frequenti
Per cosa è più conosciuto Alphonse Allais?
Allais è meglio conosciuto per una serie di dipinti monocromatici che espose al Salon des Arts Incohérents a Parigi a partire dal 1883, in cui tele uniformemente colorate ricevevano titoli elaborati che descrivevano scene in cui quel colore predominava naturalmente. I più famosi includono una tela bianca intitolata Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve e una tela rossa intitolata Cardinali Apocrifi che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso. È anche celebrato come uno dei grandi scrittori assurdista francesi della Belle Époque.
Come ha influenzato Alphonse Allais l'arte concettuale?
I monocromi di Allais hanno anticipato diverse mosse chiave dell'arte concettuale: la preminenza del titolo e dell'inquadramento linguistico sul contenuto pittorico, l'uso dell'umorismo come strumento critico e la riduzione dell'opera d'arte a una singola proposta materiale indifferenziata. I ready-made di Marcel Duchamp, i monocromi blu di Yves Klein e le opere basate sul testo di Lawrence Weiner e Joseph Kosuth partecipano tutti a un dibattito che Allais aveva già avviato, senza l'intenzione di fondare un movimento, nella Parigi degli anni '80 dell'Ottocento.
Cos'era il Salon des Arts Incohérents?
Il Salon des Arts Incohérents fu una serie di mostre satiriche annuali tenutesi a Parigi tra il 1882 e il 1896, organizzate dallo scrittore Jules Lévy come parodia del Salon ufficiale. Le mostre presentavano opere deliberatamente assurde, non accademiche e spesso anonime — tele bianche, disegni fatti da persone che non sapevano disegnare, oggetti etichettati come dipinti — ed erano enormemente popolari tra il pubblico parigino. Allais fu tra i contributori più prolifici, e gli Incohérents fornirono il contesto istituzionale in cui la sua serie di monocromi ebbe senso come provocazione nel mondo dell'arte piuttosto che semplicemente come uno scherzo.
Dove posso acquistare stampe d'arte di Alphonse Allais?
Zephyeer offre una collezione curata di stampe incorniciate di Alphonse Allais di qualità museale, stampate su carta opaca archivistica in cornici di legno massello provenienti da fonti sostenibili. Ogni pezzo arriva pronto per essere appeso. Sfoglia la collezione completa qui.