Jennifer Bartlett: dipinti, opere celebri, stile ed eredità
Jennifer Bartlett:
Dipinti, Vita & Eredità
Jennifer Bartlett ha realizzato una delle opere più ambiziose dell'arte americana del dopoguerra, composta da 988 lastre d'acciaio e quattro immagini ricorrenti — e così facendo ha definito i termini della pittura postminimalista per una generazione.
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La vita e l'arte di Jennifer Bartlett
Jennifer Bartlett è nata il 14 marzo 1941 a Long Beach, California, ed è cresciuta in una famiglia che ha incoraggiato le ambizioni artistiche fin dalla prima infanzia. Ha studiato al Mills College di Oakland prima di trasferirsi alla Yale School of Art and Architecture, dove ha conseguito il Bachelor of Fine Arts nel 1963 e il Master of Fine Arts nel 1965. Yale in quel periodo era un centro di dibattito formalista e di rigorosa riflessione critica sulla relazione tra pittura, scultura e l'estetica minimalista appena codificata; Bartlett ha assorbito questi argomenti pur andando oltre. Tra i suoi insegnanti c'era Jack Tworkov, e tra i suoi compagni di classe Brice Marden e Chuck Close, un gruppo che avrebbe definito gran parte della pittura americana dei successivi tre decenni. Dopo la laurea si stabilì a New York, dove divenne parte di un mondo artistico del centro che rispondeva e resisteva al contempo all'eredità del Minimalismo. I dipinti di Jennifer Bartlett dei primi anni '70 mostrano già una caratteristica preoccupazione per i sistemi, la serialità e la relazione tra il segno individuale e la struttura totalizzante che lo contiene.
L'opera che ha consolidato la reputazione internazionale di Bartlett è stata Rhapsody, completata nel 1976 e esposta per la prima volta nella sua interezza alla Paula Cooper Gallery di New York. L'opera comprende 988 lastre d'acciaio smaltate al forno, da un piede quadrato ciascuna, installate in sequenza lungo 46 metri di parete, ogni lastra recante puntini serigrafati disposti a griglia su cui Bartlett dipingeva a smalto. I quattro motivi ricorrenti — una casa, un albero, un oceano, una montagna — appaiono sulle lastre in ogni combinazione di stile, scala, stagione e tecnica, dai puntini puntinisti al colore piatto alle pennellate gestuali. Il risultato è contemporaneamente un'indagine sistematica delle convenzioni pittoriche e un'estesa meditazione sul paesaggio come contenitore per la proiezione umana. L'ambizione di Rhapsody — quella di esaminare l'intera gamma delle possibilità pittoriche all'interno di un'unica opera continua — non aveva precedenti nell'arte americana del dopoguerra, e il suo impatto critico fu immediato. Bartlett fu nominata Guggenheim Fellow e la sua reputazione fu consolidata su entrambe le sponde dell'Atlantico.
Nei decenni successivi a Rhapsody, Bartlett continuò a produrre opere su larga scala, estendendo le sue indagini sui motivi della casa e del giardino in installazioni tridimensionali, sculture in bronzo e una serie di dipinti che rispondevano a un giardino a Nizza che osservò attraverso una finestra durante l'inverno del 1979–1980. La serie "In the Garden", che generò oltre duecento dipinti nel corso di diversi anni, dimostrò la sua capacità di sostenere un'indagine intensiva di un singolo motivo senza esaurirlo. Ricevette l'American Academy of Arts and Letters Award in Painting, fu eletta all'Accademia stessa, e le furono dedicate importanti retrospettive in musei tra cui il Brooklyn Museum e il Walker Art Center. Morì il 25 luglio 2022 ad Amagansett, New York, lasciando un corpus di opere che aveva costantemente messo alla prova i limiti di ciò che un dipinto poteva contenere.
Bartlett lavorava su lastre d'acciaio smaltate al forno, stampate con una griglia a punti serigrafata, usando la griglia sia come vincolo strutturale che come elemento visivo — un sistema che forzava ogni segno in una relazione definita con ogni altro segno attraverso centinaia di unità individuali. Questo uso del modulo serializzato come veicolo per la massima varietà pittorica, piuttosto che per la riduzione minimalista, la pose al centro del progetto postminimalista degli anni '70.
Opere Chiave: i dipinti più importanti di Jennifer Bartlett
Dall'ambizione enciclopedica di Rhapsody all'intima profondità della serie del giardino, queste opere tracciano il pieno sviluppo della pratica sistematica ma profondamente personale di Jennifer Bartlett.
Rhapsody
Composta da 988 lastre d'acciaio smaltate al forno di un piede quadrato, installate lungo 46 metri di parete, Rhapsody è l'opera distintiva della carriera di Jennifer Bartlett e uno dei dipinti più ambiziosi formalmente prodotti nell'America del dopoguerra. L'opera utilizza quattro motivi ricorrenti — una casa, un albero, un oceano e una montagna — rappresentati sulle lastre in ogni combinazione concepibile di stile pittorico, dai puntini puntinisti al colore piatto audace alle pennellate gestuali sciolte, e attraverso ogni stagione, scala e variazione compositiva che Bartlett potesse ideare. La griglia di punti serigrafati su ogni lastra funziona contemporaneamente come armatura strutturale e come elemento visivo a sé stante, richiamando l'attenzione sulle condizioni materiali e procedurali della realizzazione dell'opera. I dipinti di Jennifer Bartlett prima e dopo Rhapsody esplorano le stesse preoccupazioni sistematiche, ma nessuno raggiunge la stessa ambizione totalizzante sostenuta.
Quando fu esposta per la prima volta alla Paula Cooper Gallery di New York nel 1976, Rhapsody occupò l'intera galleria e fu immediatamente riconosciuta come un'opera di eccezionale importanza. Il critico John Russell, scrivendo sul New York Times, la descrisse come l'opera singola più ambiziosa che avesse incontrato da anni. La proposta dell'opera — che la pittura potesse comprendere la sua intera storia di convenzioni all'interno di un unico campo continuo — fu intesa come una risposta diretta e originale all'impasse che il Minimalismo sembrava aver creato per la pittura. Il MoMA acquisì l'opera ed essa è rimasta uno dei dipinti più discussi nella collezione del museo del dopoguerra.
Rhapsody dimostrò che i vincoli sistematici del Minimalismo e le libertà espressive del gesto pittorico non erano mutualmente esclusive, ma potevano coesistere all'interno di una singola opera — una dimostrazione che spianò la strada a gran parte della pittura pluralista del decennio successivo.
Nel Giardino
Iniziata nell'inverno 1979-1980, quando la Bartlett affittò una casa a Nizza e trascorse mesi osservando un giardino recintato trascurato dalla finestra del suo studio, la serie Nel Giardino alla fine generò più di duecento dipinti — ognuno una risposta distinta allo stesso spazio esterno delimitato. Il giardino, con la sua piscina, tavolo, sedia e piante incolte, divenne per la Bartlett ciò che le ninfee di Giverny furono per Monet: un soggetto fisso a cui tornare all'infinito, producendo diverse condizioni di luce, tempo, stagione e umore. I dipinti variano da composizioni geometriche strettamente controllate a tele ampie e gestuali, ognuno un'opera indipendente ma parte di un insieme inconfondibile.
La serie fu esposta in selezioni presso la Locks Gallery di Philadelphia e da Paula Cooper a New York, e un importante catalogo documentò l'intera portata del progetto. I dipinti di Nel Giardino rappresentano il più duraturo impegno della Bartlett con il paesaggio come veicolo per la proiezione psicologica — la recinzione del giardino che rispecchia la chiusura dello studio di lavoro — e introducono una direttezza nel tocco pittorico che è più apertamente sensuale rispetto alle opere su lastre d'acciaio del decennio precedente. Rimangono tra le opere più ammirate della sua produzione e hanno dimostrato che l'intelligenza sistematica di Rhapsody era pienamente compatibile con le esigenze della pittura osservativa sostenuta.
La serie Nel Giardino ha stabilito che il metodo sistematico di Bartlett poteva includere l'osservazione diretta tanto completamente quanto aveva abbracciato le proposizioni concettuali, colmando il divario tra la procedura post-minimalista e la tradizione più antica del paesaggio dipinto.
Nuotatore disperso nella notte (per Tom Hess)
Prodotto due anni dopo Rhapsody e dedicato al critico Thomas Hess, morto nel 1978, Nuotatore disperso nella notte appartiene a un gruppo di opere su lastra di grande formato in cui la Bartlett estese l'approccio sistemico di Rhapsody verso un territorio emotivo più concentrato. La figura del nuotatore — un motivo ricorrente nel lavoro della Bartlett di questo periodo — appare attraverso una sequenza di lastre in stati di progressiva dissoluzione, il corpo che perde la sua definizione contro un campo che si oscura. La dimensione elegiaca della dedica conferisce alle procedure formali dell'opera una carica emotiva che la più enciclopedica Rhapsody distribuisce in modo più uniforme.
L'opera dimostra la capacità della Bartlett di far sì che i vincoli sistematici del suo metodo a lastre e griglia servissero a fini espressivi senza abbandonare il rigore del metodo. La ripetizione del nuotatore su più lastre, ognuna resa in modo leggermente diverso, crea un effetto di sequenza temporale — la figura vista in momenti diversi, in diverse condizioni di visibilità — che si avvicina alla narrazione senza risolversi in una storia. Questo oscillare tra il sistematico e il sentito personalmente è una delle qualità distintive delle opere di maggior successo della Bartlett.
La Bartlett serigrafava la griglia di punti su ogni lastra prima di dipingere, assicurando che l'armatura strutturale fosse identica in tutte le unità; qualsiasi variazione nell'effetto visivo derivava interamente dai suoi segni dipinti piuttosto che da incongruenze nel supporto.
Frangiflutti
Dipinto a metà degli anni '80, mentre la Bartlett espandeva la sua pratica per includere dipinti su tela di grande formato accanto alle opere su lastre d'acciaio, Frangiflutti appartiene a un gruppo di opere in cui i motivi paesaggistici elementari di Rhapsody — oceano, orizzonte, l'incontro di acqua e terra — vengono rivisitati in un formato più apertamente pittorico. Il formato della tela liberò la Bartlett dai vincoli strutturali della griglia di lastre e permise passaggi gestuali più ampi, ma l'opera conserva la caratteristica deliberazione dei suoi migliori dipinti: ogni sezione appare ponderata e necessaria, il risultato di un pensiero sistematico applicato alla sensazione diretta.
Il Brooklyn Museum acquisì l'opera come parte del suo costante impegno nella raccolta di esempi significativi della pittura americana del dopoguerra, ed è stata inclusa in numerose rassegne del periodo. Le tele tarde degli anni '80 rappresentano una tensione produttiva tra il pensiero basato sui sistemi che produsse Rhapsody e le esigenze più immediate del lavorare direttamente con la pittura su lino teso — una tensione che la Bartlett gestì con intelligenza caratteristica e che conferisce all'opera di questo periodo la sua particolare vitalità.
Frangiflutti dimostra che i motivi paesaggistici esplorati per la prima volta in Rhapsody potevano sostenere un'attenzione continua per un'intera carriera — che non erano soggetti esauribili ma inesauribili, che producevano significati diversi ad ogni ritorno.
Casa sull'acqua
Tra le opere tarde più complesse della Bartlett, Casa sull'acqua combina pannelli su tela con sezioni di lastre d'acciaio cotto in un'unica installazione, riportando il motivo della casa — usato per la prima volta in Rhapsody — a un'esame sostenuto e concentrato. La casa nell'opera della Bartlett non è mai semplicemente un soggetto domestico; funziona come un'immagine del tentativo del sé di costruire un rifugio stabile in un mondo instabile, e la combinazione di mezzi qui — la griglia fissa delle lastre accanto al terreno più libero della tela — mette in atto la tensione tra sistema e sensazione che definisce tutta la sua pratica.
L'opera è stata esposta a New York e ha ricevuto un'ampia attenzione critica da parte di scrittori tra cui Roberta Smith e Kay Larson, che l'hanno collocata nel contesto della riconsiderazione del rapporto tra pittura e architettura e l'ambiente costruito alla fine degli anni '80. La sua combinazione di motivi paesaggistici e domestici, resa su due supporti pittorici distinti, rappresenta uno dei risultati formalmente più sofisticati della carriera tarda della Bartlett e dimostra la coerenza delle preoccupazioni sottostanti che hanno animato il suo lavoro da Rhapsody in poi.
Casa sull'acqua sintetizza i due formati principali della pratica di Bartlett — la griglia di lastre e la tela dipinta — in un'unica opera, dimostrando che il sistematico e il pittorico non erano mai opposti ma aspetti complementari di un'unica indagine continua.
Stampe Jennifer Bartlett, Qualità Museale
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L'influenza della Bartlett sulla generazione di pittori americani emersi negli anni '80 e '90 fu sostanziale. Terry Winters, i cui primi dipinti combinavano struttura sistematica e motivo organico in modi direttamente debitori all'esempio della Bartlett, riconobbe il suo lavoro come formativo. L'uso di Jonathan Lasker di zone distinte di convenzione pittorica all'interno di un'unica tela — aree di diversi tipi di segni coesistenti senza risolversi in una superficie unificata — doveva molto al precedente di Rhapsody, in cui la coesistenza di più stili pittorici all'interno di un unico quadro fu per la prima volta pienamente dimostrata. Carroll Dunham e Cecily Brown, pur lavorando con idiomi molto diversi, traggono entrambi beneficio dal permesso che la pratica della Bartlett diede all'idea che il piacere pittorico e il rigore intellettuale non dovessero essere opposti. Più in generale, la sua dimostrazione in Rhapsody che la pittura poteva esaminare le proprie convenzioni all'interno di un'unica opera anticipò la pittura autocosciente e storicamente consapevole che dominò il discorso dei due decenni successivi.
A livello istituzionale, la carriera della Bartlett è stata caratterizzata da un costante riconoscimento da parte dei più significativi musei americani e delle voci critiche. Il Museum of Modern Art, il Walker Art Center, il Brooklyn Museum e l'Albright-Knox Gallery hanno tutti collezionato le sue opere. La Paula Cooper Gallery l'ha rappresentata per tutta la sua carriera, fornendo una stabile casa istituzionale il cui impegno per la pittura seria ha plasmato il contesto in cui il suo lavoro è stato ricevuto. Ha ricevuto la Skowhegan Medal for Painting, l'American Academy of Arts and Letters Award ed è stata eletta all'Accademia stessa. Le retrospettive al Brooklyn Museum nel 1985 e successivamente in altri musei americani hanno fornito un quadro completo dei suoi successi per un pubblico istituzionale.
Per gli spettatori contemporanei, i dipinti di Jennifer Bartlett portano una risonanza specifica in un mondo dell'arte che è tornato, dopo decenni di espansione multimediale, a un impegno sostenuto con la storia della pittura. La sua dimostrazione che la griglia — la più riduttiva delle strutture moderniste — poteva essere un veicolo per l'abbondanza pittorica piuttosto che per la riduzione ascetica rimane una delle proposte più generative dell'arte americana del dopoguerra. I quattro motivi elementari che ha usato in Rhapsody — casa, albero, oceano, montagna — sono archetipici oggi come lo erano nel 1976, e la pazienza e l'intelligenza con cui li ha esplorati attraverso quarant'anni di lavoro continuo stabiliscono uno standard rispetto al quale i pittori successivi continuano a misurarsi.
Jennifer Bartlett: La gamma completa
L'ambizione di Jennifer Bartlett era costantemente quella di dipingere tutto — ogni tecnica, ogni convenzione, ogni scala, ogni stagione — e di farlo all'interno di sistemi abbastanza rigorosi da rendere la totalità coerente. Rhapsody fu la più completa realizzazione di questa ambizione, ma i dipinti del giardino, la serie del nuotatore e le tele tarde dimostrano tutti la stessa convinzione sottostante: che le possibilità della pittura non sono esauribili, che ogni ritorno a un motivo rivela qualcosa di non disponibile nell'incontro precedente.
La sua morte nel 2022 è stata ampiamente pianta dal mondo dell'arte americano, e l'attenzione retrospettiva dedicata al suo lavoro da allora ha confermato l'ampiezza e la profondità del suo contributo. In una pratica che abbraccia sei decenni, ha prodotto opere che erano allo stesso tempo sistematicamente rigorose e sensualmente vive — una combinazione che la colloca tra i più significativi pittori americani del ventesimo secolo.