Quadri di John Cage: Opere d'arte famose, Stile ed Eredità
John Cage:
Arte, Vita ed Eredità
John Cage dissolse il confine tra musica e silenzio, tra arte e vita — e la sua opera visiva, prodotta attraverso le stesse operazioni casuali che strutturavano le sue composizioni, estende queste indagini in un corpo di disegni e stampe di autentica forza estetica.
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La vita e l'arte di John Cage
John Cage nacque il 5 settembre 1912 a Los Angeles e crebbe in un momento culturale definito dalla collisione del modernismo europeo — in particolare la musica di Arnold Schoenberg, con cui studiò — con l'interesse dell'avanguardia americana a dissolvere i confini convenzionali tra le forme d'arte. Studiò con Schoenberg a Los Angeles negli anni '30, un incontro che si rivelò sia formativo che limitante: il sistema armonico di Schoenberg fu quello che Cage alla fine rifiutò, ma l'incontro con un rigoroso pensiero formale gli diede gli strumenti analitici per sviluppare il proprio approccio alternativo. La sua invenzione del pianoforte preparato — uno strumento standard il cui suono è radicalmente alterato da oggetti inseriti tra le corde — nel 1938 stabilì la caratteristica procedura di Cage di trasformare un sistema esistente attraverso l'introduzione del caso o di vincoli esterni, una procedura che avrebbe governato tutta la sua successiva pratica attraverso musica, arte visiva, scrittura e performance. Il suo trasferimento a New York negli anni '40 lo pose al centro del circolo d'avanguardia che includeva i ballerini Merce Cunningham (suo compagno di vita) e Carolyn Brown, i pittori Robert Rauschenberg e Jasper Johns, e i musicisti David Tudor e Christian Wolff. La collaborazione tra Cage e Rauschenberg in particolare fu tra le relazioni artistiche più significative del dopoguerra: ognuno assorbì dall'altro la convinzione che il processo artistico, il caso e la dissoluzione del controllo autoriale fossero le proposizioni formali più urgenti del momento. I dipinti di John Cage — o più precisamente, le opere visive di John Cage — devono essere comprese in questo contesto: non come una dimensione secondaria di una pratica principalmente musicale ma come un'espressione di un'indagine unificata sul caso, sui materiali e sulla ridefinizione di ciò che contava come processo decisionale artistico.
La pratica visiva matura di Cage, sviluppata negli anni '60 e perseguita intensamente negli ultimi decenni della sua vita, si incentrava sull'uso dell'I Ching — il libro cinese dei mutamenti — e di altre procedure casuali per determinare le proprietà formali delle sue opere. Nei disegni e nelle stampe prodotte presso la Crown Point Press di San Francisco dal 1978 in poi, Cage utilizzò operazioni casuali per determinare il posizionamento, le dimensioni e il carattere dei segni sulla pagina, creando opere che erano contemporaneamente rigorosamente procedurali e visivamente sorprendenti. Le serie New River Watercolors, le incisioni Changes and Disappearances e la serie Eninka dimostrarono che l'arte visiva governata dal caso poteva raggiungere qualità formali — organizzazione spaziale, relazione tonale, equilibrio compositivo — che la composizione intenzionale spesso non riesce a raggiungere. Il paradosso al centro di queste opere — che la rimozione dell'intenzione artistica dalle singole decisioni producesse risultati di qualità estetica — fu uno che Cage esplorò senza mai risolverlo completamente, poiché risolverlo sarebbe stato addomesticarlo. Nel 1989 gli fu assegnato il Premio Kyoto, uno dei più prestigiosi riconoscimenti internazionali nel campo dell'arte e della filosofia, in riconoscimento della portata e della profondità del suo contributo alla cultura del XX secolo. Morì a New York il 12 agosto 1992.
L'influenza di Cage si estese ben oltre una singola disciplina: il suo pensiero sul silenzio, sull'indeterminatezza e sulla dissoluzione del confine tra arte e vita modellò musica, arte visiva, danza, teatro e poesia in modi che continuano a risuonare. I suoi libri — in particolare Silence (1961) e A Year from Monday (1967) — trasmisero le sue idee in forma letteraria ed saggistica a un pubblico che forse non avrebbe mai incontrato direttamente la sua opera visiva o musicale, e rimangono tra i testi più intellettualmente coinvolgenti prodotti da qualsiasi artista della sua generazione. L'eredità della sua collaborazione con Merce Cunningham, che continuò per oltre cinquant'anni fino alla morte di Cunningham nel 2009, rimodellò la relazione tra musica e danza in modi che rimangono fondamentali per la pratica performativa contemporanea.
Cage utilizzò l'I Ching e altre procedure casuali per determinare le proprietà formali delle sue opere visive — posizionamento, dimensioni, carattere dei segni — rimuovendo le singole decisioni estetiche dal processo e creando condizioni in cui potevano emergere qualità formali inaspettate. Le opere risultanti dimostrano che la procedura governata dal caso può produrre risultati visivi di autentica forza estetica, sfidando l'assunto che la qualità artistica richieda un'intenzione compositiva consapevole.
Opere chiave: l'arte visiva più importante di John Cage
Dalle incisioni di Crown Point Press alle serie ad acquerello dei suoi ultimi anni, queste opere dimostrano la forza visiva e il rigore concettuale della pratica grafica di Cage governata dal caso.
Changes and Disappearances
La serie Changes and Disappearances, prodotta presso la Crown Point Press di San Francisco in diverse sessioni di lavoro tra il 1979 e il 1982, rappresenta l'impegno più sostenuto e formalmente sofisticato di Cage con l'arte visiva della stampa. Ciascuna delle 35 stampe della serie è stata prodotta attraverso l'applicazione di operazioni casuali — nello specifico l'I Ching — per determinare il posizionamento, le dimensioni e il carattere dei segni realizzati sulla lastra di rame per l'incisione. I segni stessi — punti, linee, forme irregolari — sono individualmente semplici, ma la loro disposizione determinata dal caso produce composizioni di notevole complessità spaziale e interesse visivo. Il titolo si riferisce sia al fenomeno formale dei segni che appaiono e scompaiono man mano che il processo di incisione si sviluppa, sia alle più ampie preoccupazioni filosofiche che governavano la pratica di Cage: l'impermanenza delle apparenze, l'impossibilità di fissare l'esperienza nel tempo.
La Crown Point Press, diretta da Kathan Brown, era l'ambiente ideale per la pratica visiva di Cage: un laboratorio tecnicamente rigoroso, dedito a una seria sperimentazione artistica, in grado di supportare le insolite esigenze delle procedure governate dal caso. La collaborazione tra Cage e Crown Point è proseguita per oltre un decennio e ha prodotto alcune delle stampe più significative dell'arte americana dell'epoca. Dipinti e stampe di John Cage, frutto di questa prolungata collaborazione, sono conservati in musei di tutto il mondo, inclusi l'Art Institute of Chicago e il Museum of Modern Art di New York.
Changes and Disappearances dimostra che una procedura governata dal caso può produrre risultati visivi di autentica forza estetica — composizioni la cui organizzazione spaziale e relazioni tonali ricompensano una visione prolungata in modi non riducibili alle procedure casuali che le hanno generate.
New River Watercolors
Prodotta durante una residenza presso il Mountain Lake Workshop in Virginia, la serie New River Watercolors utilizza operazioni casuali per distribuire pietre e altri oggetti trovati vicino al New River su fogli di carta, tracciando i loro contorni e posizioni per creare composizioni interamente governate dai doni fisici del fiume e dalle determinazioni numeriche dell'I Ching. Le opere sono tra le più apertamente belle della produzione visiva di Cage: le forme organiche delle pietre di fiume, disposte a caso sulla carta acquerello, creano composizioni di sorprendente equilibrio formale e delicatezza cromatica. La serie dimostra la capacità di Cage di permettere al materiale naturale — il mondo così come si presenta — di fungere da elemento formale primario, con il suo contributo limitato alla determinazione della procedura piuttosto che alla selezione di segni specifici.
Il Virginia Museum of Fine Arts ha acquisito la serie e l'ha esposta come una delle sue più significative collezioni d'arte contemporanea. Le opere rappresentano la più completa espressione della pratica visiva tarda di Cage: una procedura interamente trasparente, un risultato del tutto imprevedibile, una qualità estetica che la procedura non avrebbe potuto prevedere e che una composizione intenzionale forse non avrebbe raggiunto. Sono l'equivalente visivo della sua affermazione che lo scopo dell'arte è rendere la vita più interessante dell'arte.
I New River Watercolors dimostrano l'ultima implicazione della filosofia artistica di Cage: che il mondo, se osservato con sufficiente apertura e intelligenza procedurale, si organizzerà in composizioni di forza estetica senza l'intervento del gusto personale o della decisione compositiva.
Eninka
La serie Eninka, prodotta presso la Crown Point Press nel 1986 utilizzando una tecnica giapponese di fabbricazione della carta combinata con operazioni casuali, dimostra l'ampiezza della sperimentazione formale di Cage nel mezzo visivo. Il titolo combina le parole giapponesi per cerchio (en) e fuoco (inka), e le opere sono state realizzate bruciando fori in fogli di carta giapponese fatta a mano utilizzando bastoncini d'incenso la cui collocazione e durata erano determinate da procedure casuali dell'I Ching. Le opere risultanti — fori irregolari, scuriti dal fumo, distribuiti su superfici di carta pallida — sono tra le più austere e formalmente esigenti della sua produzione visiva, richiedendo allo spettatore di prestare attenzione all'assenza piuttosto che alla presenza, a ciò che è stato bruciato via piuttosto che a ciò che è stato depositato.
La serie Eninka estende la procedura delle operazioni casuali in un dominio — fuoco, bruciare, distruzione — che rende drammaticamente visibile l'irreversibilità del segno. A differenza dell'acquaforte o dell'acquerello, i fori bruciati non possono essere rivisti o riconsiderati; sono conseguenze permanenti di una serie di decisioni prese e agite in un singolo momento. Questa irreversibilità conferisce alle opere una qualità di impegno — di rischio genuino — che i processi di stampa più convenzionali possono simulare ma raramente raggiungere.
Eninka introduce l'irreversibilità del fuoco nella pratica di Cage governata dal caso, rendendo la conseguenza permanente della decisione procedurale drammaticamente e fisicamente visibile nel materiale dell'opera — carta bruciata che registra il momento preciso della sua stessa alterazione.
Not Wanting to Say Anything About Marcel
Prodotto nell'anno della morte di Marcel Duchamp come tributo all'artista che Cage considerava il suo più importante predecessore, Not Wanting to Say Anything About Marcel consiste in otto pannelli di Plexiglas stampati con parole e frasi la cui disposizione è stata determinata da operazioni casuali dell'I Ching. Le parole sono frammenti di linguaggio — frasi parziali, nomi e verbi isolati — distribuiti sul Plexiglas trasparente in posizioni e orientamenti che li rendono simultaneamente leggibili e resistenti a un significato sequenziale. Il titolo stesso è una dichiarazione di metodo: Cage voleva rendere omaggio a Duchamp senza fare il tipo di affermazione dichiarativa e intenzionale che Duchamp aveva passato la sua carriera a minare.
L'opera è tra le più concettualmente esplicite tra i pezzi visivi di Cage — la proposizione filosofica è più vicina alla superficie che nelle stampe della Crown Point Press — e occupa una posizione importante nella genealogia intellettuale dell'arte concettuale. Il suo uso del linguaggio come materiale visivo, governato dal caso piuttosto che dalla logica semantica, collega la pratica di Cage alle tradizioni letriste e della poesia concreta, radicandola saldamente nel quadro filosofico dell'indeterminazione e del rifiuto dell'intenzione autoriale che è stato il suo distintivo contributo all'arte del dopoguerra.
Not Wanting to Say Anything About Marcel posiziona Cage nella linea di discendenza da Duchamp — riconoscendo il debito e dimostrando che le operazioni casuali avevano portato l'interrogazione duchampiana sull'intenzione e l'autorialità in un territorio che Duchamp stesso non aveva esplorato.
Where R = Ryoanji
Prendendo il nome dal famoso giardino roccioso Zen di Kyoto — quindici pietre disposte su ghiaia rastrellata in una configurazione la cui apparente semplicità nasconde una profonda intelligenza formale — la serie Where R = Ryoanji traccia i contorni di quindici pietre selezionate dalla collezione di Cage, la cui disposizione sulla carta è determinata da operazioni casuali dell'I Ching. I disegni risultanti hanno una qualità di essenzialità e semplicità deliberata che evoca direttamente l'estetica del giardino roccioso giapponese: ogni contorno di pietra è una presenza in uno spazio per lo più vuoto, lo spazio vuoto essendo tanto importante per la composizione quanto la pietra che lo occupa.
La serie Ryoanji estende all'arte visiva il lungo impegno di Cage con il buddismo Zen e le sue implicazioni estetiche — un impegno che aveva plasmato la sua pratica musicale dalla fine degli anni '40, quando i suoi studi con D.T. Suzuki gli diedero per la prima volta un quadro filosofico per l'importanza del silenzio, dell'indeterminazione e della dissoluzione del confine tra l'opera d'arte e il suo ambiente. Le opere visive rendono esplicito il riferimento Zen nella loro iconografia ed economia formale, mentre le procedure casuali che le governano conferiscono al riferimento un rigoroso fondamento procedurale che una pura evocazione estetica non avrebbe potuto raggiungere.
Cage tracciava i contorni di pietre reali — oggetti fisici con le loro storie e forme specifiche — sulla carta, rendendo il segno visivo una diretta conseguenza del mondo fisico piuttosto che una rappresentazione o un'invenzione, in linea con il suo sforzo perenne di rimuovere le preferenze dell'ego dal processo artistico.
Stampe di John Cage, Qualità Museale
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L'influenza di Cage sull'arte successiva è così pervasiva che è difficile identificarla con precisione: è una di quelle figure le cui idee sono così profondamente entrate nell'atmosfera culturale che i debiti specifici sono spesso non riconosciuti, anche quando sono reali. I debiti diretti sono rintracciabili: l'uso di materiali trovati da Robert Rauschenberg e la sua dissoluzione del confine tra pittura e vita sono stati modellati in diretta conversazione con Cage; l'indagine di Jasper Johns sull'immagine preesistente — la bandiera, il bersaglio, la mappa — come veicolo per l'indagine formale riflette l'influenza di Cage su come si potrebbe ereditare e usare un sistema trovato piuttosto che inventarne uno. I pezzi di istruzioni di Yoko Ono e gli Happening di Allan Kaprow derivano entrambi dalla dimostrazione di Cage che il quadro di una situazione — le sue istruzioni, le sue condizioni, i suoi confini — poteva essere un'opera d'arte indipendentemente da qualsiasi risultato specifico. Il movimento Fluxus, che riunì artisti da Europa, Giappone e America attorno a interessi condivisi nel caso, nella performance e nella dissoluzione delle categorie artistiche, non fu fondato da Cage ma fu plasmato a ogni livello dal suo pensiero.
Il riconoscimento istituzionale dell'opera visiva di Cage è cresciuto notevolmente nei decenni successivi alla sua morte. Il Museum of Modern Art di New York, l'Art Institute of Chicago, il Whitney Museum e il Virginia Museum of Fine Arts detengono esempi significativi della sua produzione visiva, e importanti retrospettive — inclusa la mostra del 2014 al Museum of Modern Art — hanno confermato l'importanza della dimensione visiva della sua pratica per un pubblico più familiare con la sua musica. La Crown Point Press ha mantenuto l'archivio del suo lavoro di stampa e continua a sostenere la sua esposizione e la sua ricerca. Il Cage Trust amministra la sua eredità e garantisce la continua disponibilità delle sue opere musicali e letterarie.
Per i collezionisti e gli spettatori che incontrano per la prima volta i dipinti e le stampe di John Cage, le opere offrono un'esperienza quasi unica nel mercato dell'arte visiva: oggetti le cui proprietà formali sono state determinate da procedure casuali, eppure la cui qualità visiva ricompensa un'attenzione prolungata in modi che un lavoro puramente sistematico raramente raggiunge. Le stampe della Crown Point Press, in particolare, sono tra le opere esteticamente più avvincenti prodotte all'interno della tradizione concettuale — dimostrando che la rimozione del gusto personale dal processo compositivo può produrre risultati che il gusto personale avrebbe potuto benissimo scegliere, mentre la consapevolezza che non li ha scelti cambia l'esperienza di guardarli.
John Cage: Il Suono del Silenzio
John Cage ha trascorso la sua vita a dimostrare che la distinzione tra arte e vita era una convenzione che poteva essere dissolta — che il silenzio non era l'assenza di musica ma il riconoscimento più onesto della musica di tutto ciò che aveva escluso, che il caso non era il nemico della qualità artistica ma un mezzo per sfuggire alle abitudini preferenziali dell'ego. Queste erano proposizioni che generarono una profonda resistenza durante la sua vita e che sono state assorbite, nel corso del mezzo secolo successivo al suo lavoro più importante, nelle assunzioni fondamentali della pratica artistica contemporanea.
La sua opera visiva merita di essere compresa come pienamente in continuità con le sue indagini musicali e filosofiche — non come un hobby o una pratica secondaria, ma come una delle espressioni di un'indagine coerente ed esigente su cosa significhi creare qualcosa in un mondo già pieno di cose degne di attenzione. Le stampe e i disegni governati dal caso sono la testimonianza di quella indagine condotta in un mezzo visivo, e ricompensano la stessa qualità di attenzione che la sua musica ricompensa: un'apertura a ciò che c'è, piuttosto che una ricerca di ciò che ci si aspettava di trovare.