Guida all'arte australiana: artisti chiave, paesaggi e prospettive indigene
Guida all'Arte Australiana:
Artisti Chiave, Paesaggi e Prospettive Indigene
Un continente con un paesaggio unico al mondo ha prodotto un'arte altrettanto unica — soprattutto nella sua tradizione indigena, la cultura visiva continua più antica del mondo, ancora vitale e in espansione.
Due Tradizioni, Un Continente
La storia dell'arte australiana è strutturata attorno a una dualità fondamentale: la tradizione dei coloni europei giunta con la Prima Flotta nel 1788, da allora impegnata con il problema formale di rappresentare un paesaggio completamente diverso da quello europeo che ha plasmato le sue convenzioni pittoriche; e la tradizione indigena che ha preceduto l'insediamento europeo di almeno sessantacinquemila anni e ha prodotto la cultura visiva continua più antica del mondo — una tradizione le cui espressioni contemporanee sono tra i corpi d'arte più originali formalmente e filosoficamente significativi prodotti in qualsiasi parte del mondo tra la fine del ventesimo e l'inizio del ventunesimo secolo.
L'incontro della tradizione dei coloni con il paesaggio australiano ha generato una serie specifica di problemi formali che ha prodotto alcune delle più distintive pitture paesaggistiche dell'era moderna. La serie Ned Kelly di Sidney Nolan — piatta, laconica, formalmente radicale — ha trovato un linguaggio pittorico adeguato alla specifica qualità di luce e scala dell'entroterra australiano. Fred Williams ha dissolto le convenzioni ereditate della tradizione paesaggistica per arrivare a una rappresentazione puramente formale della texture superficiale e del colore del bush australiano. Arthur Boyd ha collocato l'iconografia europea in un paesaggio la cui grandezza e stranezza si rifiutavano di accoglierla comodamente. Questi pittori non erano artisti provinciali che lavoravano ai margini di una tradizione internazionale; hanno usato le specifiche richieste formali di un paesaggio specifico per produrre opere di genuina importanza internazionale.
Il Movimento Artistico del Deserto Occidentale — iniziato a Papunya nel 1971 da un gruppo di uomini Pintupi e Luritja che iniziarono a tradurre i loro disegni cerimoniali su terra in pittura acrilica su tavola — ha messo in dialogo la più antica tradizione visiva vivente del mondo con il mercato internazionale dell'arte contemporanea, producendo opere di straordinaria potenza formale che hanno sfidato ed espanso la comprensione occidentale di cosa potesse essere e significare la pittura. La collezione Zephyeer conserva opere di Clifford Possum Tjapaltjarri, una delle figure fondatrici del movimento, i cui grandi dipinti Dreaming rappresentano la tradizione del Deserto Occidentale al suo massimo livello di realizzazione formale e accessibilità pubblica.
Dreaming Story a Warlugulong, 1976
Dreaming Story at Warlugulong (1976) di Clifford Possum Tjapaltjarri è uno dei capolavori fondanti del Movimento Artistico del Deserto Occidentale e uno dei dipinti più formalmente ambiziosi prodotti da qualsiasi artista australiano del ventesimo secolo. Il dipinto rappresenta la storia del Dreaming a Warlugulong — un luogo nel paese Luritja a nord-ovest di Alice Springs dove, nel tempo del Dreaming, arse un grande fuoco — attraverso il vocabolario visivo dei disegni cerimoniali su terra: cerchi concentrici, linee punteggiate, tracce e motivi di decorazione corporea tradotti in pittura polimerica sintetica su una grande tela. La composizione è simultaneamente cartografica (mappando il paese), narrativa (raccontando la storia) e cerimoniale (incarnando la relazione continua tra il popolo Pintupi e il loro paese ancestrale) — funzioni che la pittura occidentale ha teso a separare sono tenute insieme in un unico campo visivo di straordinaria complessità e densità.
Clifford Possum nacque intorno al 1934 nel paese di Napperby Station, a nord di Alice Springs, e fu tra il gruppo di uomini che iniziarono a dipingere a Papunya nel 1971 sotto l'incoraggiamento dell'insegnante d'arte Geoffrey Bardon. Era un abile intagliatore prima di iniziare a dipingere, e la sua padronanza della tecnica a puntini — sviluppata a una raffinatezza che nessun altro artista Papunya Tula della generazione fondatrice eguagliò — è evidente nella precisione e densità della realizzazione dei segni nelle sue opere di grande formato. Warlugulong fu venduto da Sotheby's a Londra nel 1977, una delle prime importanti apparizioni all'asta internazionale di un dipinto del Deserto Occidentale, a un prezzo che segnò l'inizio di un riconoscimento di mercato che da allora ha reso il lavoro di Clifford Possum tra i più preziosi prodotti da qualsiasi artista australiano.
I dipinti Dreaming di Clifford Possum sono tra le opere più formalmente compiute del movimento del Deserto Occidentale — simultaneamente mappe, narrazioni e oggetti cerimoniali, essi tengono insieme funzioni che la pittura occidentale ha sempre separato e così facendo espandono la definizione di cosa possa essere la pittura.
Fire Dreaming, 1996
I dipinti tardi di Clifford Possum dimostrano l'evoluzione del suo linguaggio visivo attraverso due decenni di impegno costante con la tradizione pittorica del Deserto Occidentale. Fire Dreaming (1996) ritorna al tema del grande fuoco ancestrale a Warlugulong che occupò le sue opere iniziali più importanti, ma il linguaggio visivo è stato affinato a una qualità di precisione quasi calligrafica — i puntini più densi, le relazioni cromatiche più controllate, la composizione generale più architettonicamente organizzata rispetto ai dipinti esplorativi degli anni '70. Il fuoco è presente non come rappresentazione ma come energia formale: la composizione si irradia dal suo centro in un modo che incarna il movimento di diffusione del fuoco senza raffigurarlo.
Le sue opere tardive sono le più accessibili agli spettatori non familiari con la tradizione del Deserto Occidentale — il linguaggio visivo raffinato al punto che le sue qualità formali possono essere percepite indipendentemente dalla conoscenza delle specifiche storie del Dreaming che incarna — pur mantenendo la piena profondità del significato cerimoniale e narrativo che quelle storie forniscono. Lo sviluppo del lavoro di Clifford Possum attraverso due decenni riflette l'evoluzione più ampia della tradizione pittorica del Deserto Occidentale dalle tavole dalla superficie grezza dei primi anni della scuola di Papunya alle tele di grandi dimensioni, prodotte professionalmente, degli anni '80 e '90. Morì nel 2002 all'età di circa sessantasette anni.
I tardivi dipinti di Fire Dreaming di Clifford Possum dimostrano la completa raffinatezza di un linguaggio visivo sviluppato in trent'anni — la tecnica a puntini al suo massimo di precisione, le relazioni cromatiche al loro massimo di controllo, l'architettura formale al suo massimo di sicurezza.
Bush Tucker e Kangaroo Dreaming a Mount Denison, 1993
Bush Tucker and Kangaroo Dreaming at Mount Denison (1993) di Clifford Possum dimostra la molteplicità delle storie del Dreaming che un singolo dipinto può contenere — una caratteristica della tradizione del Deserto Occidentale che riflette la complessità geologica e spirituale del paese, dove molte diverse narrazioni ancestrali si intersecano in un unico punto geografico. Mount Denison si trova nella parte settentrionale del paese Luritja e Anmatyerre, e il dipinto mappa sia il bush tucker (piante alimentari) che crescono in quel paese, sia il percorso del Kangaroo Dreaming che lo attraversa — due diversi tipi di conoscenza sullo stesso luogo codificati nella stessa composizione. I cerchi concentrici indicano pozze d'acqua e luoghi significativi; le linee punteggiate rappresentano percorsi di viaggio ancestrali; le tracce animali parlano della presenza del canguro nell'ecologia spirituale e fisica del paese.
L'approccio della tradizione pittorica del Deserto Occidentale al paese — come entità vivente, spiritualmente carica, con cui il pittore si trova in una relazione continua di obbligo e conoscenza — è fondamentalmente diverso dall'approccio della tradizione paesaggistica occidentale, che ha generalmente posizionato il paesaggio come oggetto di contemplazione estetica dall'esterno. Per gli spettatori occidentali che incontrano la tradizione per la prima volta, i dipinti vengono inizialmente letti come opere astratte di notevole bellezza formale; un impegno prolungato con la tradizione rivela una complessità concettuale — le narrazioni stratificate del Dreaming, la relazione tra pittura e paese, gli obblighi cerimoniali che governano ciò che può essere raffigurato e da chi — che rende l'apparente astrazione un veicolo per il sistema di conoscenza più sofisticato disponibile nella cultura australiana.
I dipinti Bush Tucker e Kangaroo Dreaming dimostrano l'approccio della tradizione del Deserto Occidentale al paesaggio come un sistema di conoscenza vivente e multi-stratificato piuttosto che come uno spettacolo visivo — un quadro concettuale che sfida ed espande le ipotesi della tradizione paesaggistica occidentale su quale sia lo scopo di un dipinto paesaggistico.
04. Il Movimento Artistico del Deserto Occidentale: Origini e Significato Globale
Il movimento ebbe inizio a Papunya nel 1971 quando Geoffrey Bardon incoraggiò un gruppo di uomini Pintupi, Luritja, Anmatyerre e Warlpiri a dipingere un murale raffigurante il Sogno della Formica del Miele sulla parete della scuola. I pittori fondatori — Clifford Possum, Tim Leura Tjapaltjarri, Johnny Warangkula Tjupurrula e altri — tradussero disegni cerimoniali del suolo in pittura acrilica su tavola, producendo opere di straordinaria potenza formale. Ciò che era nuovo non era il vocabolario visivo, ma il supporto e il pubblico: il mercato dell'arte occidentale, musei e collezionisti di tutto il mondo piuttosto che i partecipanti alle cerimonie per i quali i disegni del suolo erano stati realizzati. La necessità di lavorare su scala di una tela, con la permanenza della pittura acrilica, spinse la logica visiva della tradizione a un'intensità formale che le versioni cerimoniali temporanee non avevano richiesto.
I pittori fondatori lavoravano all'interno di una tradizione di disegni cerimoniali del suolo che era stata mantenuta per decine di migliaia di anni: i cerchi concentrici, le linee punteggiate e le tracce dei loro dipinti erano traduzioni dei disegni dipinti su corpi, sabbia e terra in contesti cerimoniali. Papunya Tula Artists — la compagnia fondata da Bardon per rappresentare i pittori e gestire le vendite — continua a rappresentare gli artisti del Deserto Occidentale oggi, e il movimento che ha avviato ha generato uno dei corpi di arte contemporanea più significativi prodotti in qualsiasi parte del mondo negli ultimi cinquant'anni.
05. Sidney Nolan: Ned Kelly e il Mito del Paesaggio Australiano
La serie Ned Kelly di Nolan — ventisette dipinti prodotti a Heide, la proprietà di John e Sunday Reed a Melbourne, tra il 1946 e il 1947 — è la realizzazione fondante della pittura modernista australiana. I dipinti presentano Kelly, il fuorilegge e eroe popolare la cui cattura e esecuzione nel 1880 lo resero la figura mitologica centrale nella cultura popolare australiana, nel linguaggio pittorico piatto e laconico che Nolan sviluppò in risposta al carattere specifico del bush vittoriano: una straordinaria piattezza, una luce che elimina l'ombra, e una qualità di calore e distanza che richiede non la prospettiva atmosferica della tradizione paesaggistica europea ma un linguaggio pittorico radicalmente diverso, quasi schematico. Il rettangolo nero del casco di Kelly — contemporaneamente un elemento formale e una presenza psicologica: l'armatura che Kelly indossava e la maschera attraverso cui il pittore vede il bush australiano — è diventato l'immagine più riconoscibile nell'arte australiana.
Nolan lasciò l'Australia nel 1950 e si stabilì in Inghilterra, dove l'influenza della sua opera sulla pittura britannica fu considerevole, ma la serie Kelly rimase il suo successo più duraturo e significativo. La National Gallery of Australia a Canberra ospita venticinque dei ventisette dipinti originali di Heide, acquisiti dalla galleria nel 1977, rendendo possibile vedere la serie nel suo contesto completo e comprendere la coerenza formale e lo sviluppo formale che la rende un corpo di opere unificato piuttosto che una collezione di immagini individuali.
06. Arthur Boyd: Paesaggio Biblico e Luce Australiana
Boyd è il pittore australiano che ha esplorato più a fondo la collisione tra l'eredità culturale europea e il paesaggio australiano. La sua serie Sposa (1957–1959), prodotta a Londra dopo aver lasciato l'Australia per la prima volta, immaginava una narrazione biblica ambientata nel bush australiano: la luce strana e allucinatoria del paesaggio, la sua terra rossa e gli eucalipti dal tronco bianco, rendevano il soggetto familiare irriconoscibile e l'ambiente sconosciuto caricato di nuovo significato. Boyd proveniva dalla famiglia artistica più illustre d'Australia — suo nonno Arthur Merric Boyd, i suoi genitori Merric e Doris Boyd, suo zio Penleigh Boyd erano tutti pittori significativi — e la sua stessa pratica attingeva a questa formazione pur discostandosene in modi che riflettono le pressioni del suo particolare momento storico.
Le sue opere tarde — i grandi dipinti di Shoalhaven prodotti negli anni '70 e '80 dalla sua proprietà sul fiume Shoalhaven nel Nuovo Galles del Sud — sono tra i paesaggi australiani più formalmente ambiziosi del ventesimo secolo, la loro scala e il coinvolgimento sostenuto con la luce del fiume e il bush circostante li rendono un parallelo degno della tradizione delle serie d'acqua impressioniste. Il museo d'arte nazionale australiano a Canberra detiene la collezione pubblica più completa della sua opera, e la sua proprietà di Bundanon sul Shoalhaven è stata donata al governo australiano come centro artistico ed educativo.
07. Brett Whiteley: Porto di Sydney e il Corpo della Terra
Whiteley è il pittore australiano che più completamente ha identificato il proprio corpo con il corpo del paesaggio australiano — in particolare con il Porto di Sydney, le cui baie e insenature curve sono diventate la struttura compositiva per alcuni dei dipinti australiani più ambiziosi formalmente della fine del ventesimo secolo. I suoi dipinti del porto di grande formato — tele monumentali in cui le linee sinuose del porto sono tracciate in un vocabolario calligrafico che richiama tanto la tradizione della pittura a inchiostro giapponese quanto il paesaggio occidentale — trattavano il porto non come una vista ma come un organismo, le sue acque vive con la stessa energia nervosa del corpo umano.
Nato a Sydney nel 1939, Whiteley lasciò l'Australia con una borsa di studio nel 1960, trascorrendo gli anni '60 a Londra e New York prima di tornare nel 1969. Morì nel 1992 all'età di cinquantatré anni, lasciando un corpo di opere il cui raggiungimento formale supera tutto ciò che la sua carriera troncata avrebbe potuto suggerire fosse possibile nel tempo disponibile. La Art Gallery of New South Wales detiene la collezione pubblica più completa della sua opera, incluso il Brett Whiteley Studio a Surry Hills, mantenuto come museo funzionante.
08. Emily Kame Kngwarreye: Il Paese come Astrazione
Emily Kame Kngwarreye iniziò a dipingere a Utopia Station nel Territorio del Nord nel 1988 all'età di circa settantotto anni, e negli otto anni prima della sua morte nel 1996 produsse un corpo di opere riconosciuto come tra i più significativi dipinti astratti prodotti in qualsiasi parte della fine del ventesimo secolo. A differenza degli artisti Papunya Tula il cui vocabolario visivo puntinato aveva stabilito il volto pubblico della tradizione pittorica del Deserto Occidentale, Kngwarreye lavorò attraverso una successione di linguaggi visivi distinti: le linee pastello di igname delle sue prime tele, i densi campi di punti dei dipinti di Alhalkere Country, le ampie pennellate gestuali della tarda serie Anooralya — ciascuna una diversa risoluzione formale alla stessa domanda sottostante su come rendere visibile la relazione tra il suo corpo, il suo paese e la conoscenza ancestrale che portava con sé.
Kngwarreye descriveva i suoi dipinti come rappresentanti "Anooralya" — la pianta di igname e il suo ciclo stagionale che costituivano la sua principale responsabilità cerimoniale come donna Alyawarr. Ma i suoi dipinti sono tentativi di rendere presente l'intero campo esperienziale del suo rapporto con il suo paese: l'odore della pioggia sul terreno asciutto, la qualità della luce nelle diverse stagioni, la conoscenza tattile di una particolare distesa di terra accumulata in quasi otto decenni di vita su e con essa. I risultati formali — tele di straordinaria ricchezza cromatica e sicurezza compositiva — furono prodotti senza alcuna formazione artistica e senza un accesso sostenuto al mondo dell'arte internazionale le cui risposte a essi divennero sempre più entusiastiche.
09. Fred Williams: Dissolvere il Paesaggio Australiano
Fred Williams è il pittore australiano che più sistematicamente dissolse le convenzioni ereditate della pittura paesaggistica europea per giungere a un linguaggio visivo adeguato al carattere specifico del bush australiano. Laddove la tradizione paesaggistica europea aveva inteso il paesaggio come uno spazio articolato da orizzonte, profondità e graduale recessione del tono verso un punto di fuga lontano, Williams intese il bush australiano come una superficie — piatta, senza caratteristiche compositive dominanti, il suo carattere visivo determinato dalla distribuzione dei segni su un fondo di terra e cielo. I suoi dipinti maturi — in particolare la serie Pilbara e i dipinti You Yangs — trattano il paesaggio come un campo di segni distribuito su tutta la superficie piuttosto che uno spazio prospettico, producendo opere che anticipano la pittura "all-over" degli Espressionisti Astratti nella loro logica formale pur rimanendo ancorate al carattere specifico osservato del paese australiano.
Williams studiò alla National Gallery of Victoria Art School e a Londra prima di tornare in Australia nel 1956 con l'intelligenza formale e la maestria tecnica necessarie per perseguire la dissoluzione della tradizione paesaggistica che il carattere specifico del bush australiano richiedeva. Le sue stampe — acqueforti, acquetinte e litografie prodotte durante tutta la sua carriera — rappresentano alcune delle opere di stampa più tecnicamente riuscite prodotte da qualsiasi artista australiano. Morì a Melbourne nel 1982 all'età di cinquantacinque anni, lasciando un corpo di opere che occupa una posizione centrale nella storia dell'arte australiana e una posizione importante nella storia della pittura paesaggistica internazionale.
10. Rover Thomas: Paese e Cerimonia nel Kimberley
L'opera di Rover Thomas rappresenta un filone diverso della pittura indigena australiana rispetto alla tradizione del Deserto Occidentale centrata su Papunya — un linguaggio visivo specifico del popolo Gija della regione del Kimberley orientale che emerse indipendentemente alla fine degli anni '70 da contesti cerimoniali. Thomas nacque intorno al 1926 e non iniziò a dipingere fino al 1977, quando la morte di un parente — e un'esperienza visionaria che ne seguì — lo spinse a sviluppare un ciclo cerimoniale chiamato Krill Krill che richiedeva tavole dipinte come parte della sua esecuzione. Le tavole furono successivamente esposte e riconosciute come dipinti di eccezionale qualità formale.
I dipinti di Thomas sono caratterizzati da un'estrema economia formale: ampie aree di colore della terra — ocra, rosso scuro, grigio antracite — descrivono le caratteristiche topografiche del paese con una immediatezza che ricorda la fotografia aerea, pur mantenendo la logica visiva dei disegni cerimoniali del terreno da cui deriva. Ha rappresentato l'Australia alla Biennale di Venezia del 1990 insieme a Trevor Nickolls — la prima volta che artisti aborigeni erano stati selezionati per la Biennale — ed è morto nel 1998. La National Gallery of Australia a Canberra detiene la più significativa collezione pubblica delle sue opere.
11. Albert Namatjira: Eucalipti Fantasma e la Politica della Visibilità
Uomo Aranda della missione luterana di Hermannsburg nel Territorio del Nord, Namatjira imparò la pittura paesaggistica ad acquerello da Rex Battarbee, un artista di Melbourne che visitò Hermannsburg nel 1934, e sviluppò una pratica matura raffigurante il paese delle MacDonnell Ranges del suo territorio ancestrale in uno stile derivato dalla tradizione acquerellistica europea ma influenzato da una sensibilità indigena che conferiva alle opere una specifica qualità di attenzione non disponibile ai pittori non indigeni dello stesso paesaggio. I suoi dipinti di eucalipti fantasma — gli alberi dal tronco bianco resi con straordinaria delicatezza contro l'ocra rossa delle catene montuose e il profondo cielo blu — divennero le immagini più ampiamente riprodotte nella storia dell'arte australiana.
La fama di Namatjira lo portò in conflitto con un sistema legale e sociale il cui razzismo era strutturale: gli fu concessa la cittadinanza australiana nel 1957 — un diritto negato alla maggior parte degli aborigeni australiani fino al 1967 — ma successivamente fu perseguito in base a leggi che rendevano illegale per un cittadino fornire alcol a non cittadini, inclusa la sua stessa famiglia. Morì nel 1959 all'età di cinquantasette anni, la persecuzione e le sue conseguenze sociali avendo contribuito direttamente alla sua morte. La rivalutazione critica del suo lavoro — inizialmente liquidato come uno stile europeo imitato da un artista indigeno, ora riconosciuto come una pratica complessa e culturalmente specifica — continua ad approfondirsi, e i suoi discendenti continuano a dipingere nella tradizione che egli stabilì a Hermannsburg.
12. Grace Cossington Smith: Il Modernismo nell'Interno Domestico
Grace Cossington Smith è la pittrice australiana che più costantemente e rigorosamente ha perseguito il progetto formale post-impressionista — l'indagine sulla luce, il colore e la superficie piatta del piano pittorico come elementi pittorici attivi — nel contesto domestico del sobborgo di Sydney dove ha vissuto e lavorato per la maggior parte della sua vita. Il suo The Sock Knitter (1915) è spesso citato come il primo dipinto post-impressionista esposto in Australia, la sua pennellata divisa e il colore vibrante che segnano una rottura decisiva con il realismo tonale che aveva dominato la pittura australiana dalla Heidelberg School.
I suoi dipinti tardivi — le grandi tele d'interni degli anni '50 e '60, in cui la luce entra da finestre multiple e inonda lo spazio domestico di colore — sono tra le opere formalmente più compiute prodotte da qualsiasi pittore australiano del ventesimo secolo. Ha ricevuto una grande retrospettiva alla Art Gallery of New South Wales nel 1973, quando aveva quasi novant'anni, ponendola accanto alle altre artiste in questa guida che hanno prodotto opere significative mentre l'attenzione istituzionale era rivolta altrove. La Art Gallery of New South Wales detiene la collezione pubblica più completa del suo lavoro.
13. Margaret Preston: Flora Autoctona e un Linguaggio Visivo Nazionale
Margaret Preston è la pittrice e incisora australiana che più consapevolmente e programmaticamente ha sostenuto lo sviluppo di un linguaggio visivo distintamente australiano — uno che avrebbe attinto alla flora nativa del paese, alla sua cultura visiva indigena e alle lezioni formali del Post-Impressionismo per produrre un'arte che non fosse né un'estensione coloniale delle convenzioni europee né un'idealizzazione pastorale di un paesaggio che veniva attivamente distrutto. I suoi dipinti di fiori nativi australiani — il waratah, la banksia, il flannel flower — trattavano la flora del paese con la stessa intelligenza formale che Matisse portava nei suoi soggetti mediterranei.
L'impegno di Preston con la cultura visiva indigena australiana — negli anni '20 sosteneva che gli artisti australiani avrebbero dovuto imparare dalla sofisticazione formale dell'arte aborigena — fu complicato dal paternalismo coloniale dell'epoca, ma la sua insistenza sul valore e la rilevanza delle tradizioni visive indigene per lo sviluppo del modernismo australiano fu preveggente: il Movimento artistico del Deserto Occidentale iniziato quarant'anni dopo confermò, dall'altra parte, esattamente i valori formali che aveva identificato. Le sue stampe in particolare — xilografie e opere a stencil in cui le linee audaci e il colore piatto dei suoi dipinti furono tradotti in un mezzo multiplo — rappresentano il raggiungimento fondante della stampa australiana.
14. Dipinti dei Sogni come Mappe: La Cartografia della Terra Ancestrale
Uno dei quadri concettuali più utili per comprendere la pittura del Deserto Occidentale è quello cartografico: i cerchi concentrici che indicano pozze d'acqua e luoghi significativi, le linee punteggiate che mostrano i percorsi di viaggio ancestrali, le tracce animali che registrano la presenza degli abitanti spirituali e fisici del paese. I dipinti registrano non solo le relazioni spaziali tra luoghi significativi ma anche le narrazioni ancestrali associate a quei luoghi, gli obblighi cerimoniali dei pittori che li hanno realizzati e la conoscenza stagionale ed ecologica che rende il paese leggibile a coloro che sanno come leggerlo.
Quando Clifford Possum dipinse il paese a Warlugulong, non stava realizzando una rappresentazione di un luogo ma stava attivamente mantenendo la relazione tra quel luogo e i suoi custodi — un atto che era contemporaneamente artistico, cerimoniale ed epistemologico. L'incontro del mondo dell'arte occidentale con questa tradizione ha richiesto una revisione della sua comprensione di cosa sia la pittura, a cosa serva e quali tipi di conoscenza possa veicolare, una revisione che rimane incompleta e in corso. Questa revisione è uno degli eventi intellettuali più significativi nella storia degli incontri dell'arte con le tradizioni non occidentali — non una curiosità antropologica ma una sfida filosofica che i quadri istituzionali del mondo dell'arte occidentale stanno ancora assorbendo.
15. John Olsen: Il Paesaggio Australiano come Organismo Vivente
John Olsen è il pittore australiano che ha portato più completamente l'energia dell'astrazione gestuale nel paesaggio australiano — sviluppando un linguaggio visivo in cui il bush, l'outback e gli ambienti costieri sono resi come organismi viventi piuttosto che come sfondi scenografici, il loro carattere formale espresso attraverso il coinvolgimento corporeo del pittore con la superficie del dipinto. La sua serie del Lago Eyre — prodotta in seguito a una visita al lago salato dell'Australia centrale negli anni '70 — è tra i dipinti paesaggistici australiani più formalmente ambiziosi del secolo: vaste, pallide, gestuali composizioni in cui la straordinaria piattezza e luce del lago sono rese in un linguaggio pittorico che è contemporaneamente descrittivo ed espressivo.
Olsen è nato a Newcastle nel 1928 e ha studiato a Sydney prima di viaggiare in Europa e Spagna negli anni '50, dove il suo incontro con i pittori informali spagnoli — in particolare Antoni Tàpies e il gruppo El Paso — ha rafforzato il suo impegno per un'astrazione gestuale radicata nel paesaggio. Il suo ritorno in Australia nel 1960 è stato anche un ritorno alle specifiche esigenze formali del paesaggio australiano, e i successivi sei decenni della sua pratica sono stati dedicati all'esplorazione sistematica di tali esigenze in una vasta gamma di ambienti australiani. Gli è stato conferito l'Archibald Prize, il premio d'arte più prestigioso d'Australia, nel 1978, e continua a dipingere nella sua nona decade.
Una Tradizione Vivente in un Paesaggio Vivente
I quindici artisti e le prospettive qui raccolte dimostrano l'ampiezza di ciò che l'arte australiana comprende — dalla tradizione visiva indigena di sessantacinquemila anni, portata all'attenzione internazionale dal Western Desert Art Movement, attraverso le indagini post-impressioniste di Grace Cossington Smith e Margaret Preston, i paesaggi mitologici di Arthur Boyd e il radicalismo formale della serie Kelly di Sidney Nolan, fino alle ambizioni paesaggistiche gestuali di Fred Williams e John Olsen e ai dipinti calligrafici del porto di Brett Whiteley. Ciò che unifica questa gamma non è uno stile o un movimento, ma un impegno condiviso con un paesaggio specifico la cui scala, luce e complessità culturale sono diverse da qualsiasi cosa nella tradizione europea da cui la maggior parte di questi artisti ha attinto.
Il contributo della tradizione pittorica del Deserto Occidentale a questa guida è centrale per qualsiasi resoconto onesto dell'arte australiana, e la collezione Zephyeer detiene i dipinti Dreaming di Clifford Possum Tjapaltjarri come sua rappresentazione australiana principale — opere che rappresentano la tradizione del Deserto Occidentale nel suo aspetto più pubblicamente accessibile e formalmente compiuto. Stampe incorniciate di tutte e tre le opere di Clifford Possum qui discusse sono disponibili tramite Zephyeer.