Dipinti di Alphonse Allais: Opere d'Arte Famose, Stile ed Eredità
Assurdismo · Monocromo · Francese · 1854–1905
Alphonse Allais
Dipinti
Alphonse Allais utilizzò l'apparato della pittura contro se stesso, producendo tele monocrome con titoli impassibili che anticiparono l'arte concettuale di sessant'anni e dimostrarono che uno scherzo poteva essere la cosa più seria in una stanza.
Cornuti Itterici che Maneggiano l'Ocra · 1883
Chi Era Alphonse Allais?
I dipinti di Alphonse Allais rappresentano uno degli interventi più audaci nella storia dell'arte — tanto più notevole per essere stato realizzato nel 1883, quando gli Impressionisti stavano ancora lottando per il riconoscimento e l'idea di una tela bianca come opera d'arte completata era letteralmente inconcepibile. Nato il 20 ottobre 1854 a Honfleur, in Normandia — la stessa città portuale che attrasse Boudin, Jongkind e il giovane Monet — Allais si trasferì a Parigi all'età di vent'anni e si immerse nella cultura letteraria e del cabaret di Montmartre. Divenne una figura centrale al Chat Noir, il leggendario cabaret del 18° arrondissement che fungeva da centro sociale per i Decadenti, i Simbolisti e gli Idropatici, un gruppo letterario satirico che contribuì a fondare.
Nel 1882, il poeta Paul Bilhaud espose un rettangolo uniformemente nero al Salon des Arts Incohérents di Parigi sotto il titolo Combat de nègres dans un tunnel. Gli Incohérents erano un collettivo eterogeneo dedito all'assurdismo anti-accademico, e i loro saloni annuali erano concepiti per deridere le pretese della cultura artistica ufficiale francese. Allais, che fu tra i più prolifici contributori degli Incohérents, riconobbe nella provocazione di Bilhaud un intero genere in attesa di essere sistematizzato. Tra il 1883 e il 1897 produsse una serie di dipinti monocromatici — ciascuno un unico campo di colore piatto — con titoli che esplicitavano la scena narrativa che la superficie vuota avrebbe dovuto raffigurare. Un rettangolo bianco divenne Prima Comunione di Giovani Fanciulle Anemiche sulla Neve. Un campo rosso divenne Cardinali Apoditici che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso. Una distesa grigia divenne un'immagine di ubriachi cenerini che svaniscono nella nebbia. La logica era coerente: il colore e il soggetto si corrispondevano, e il divario tra il titolo pomposamente descrittivo e la superficie pittorica vuota era il luogo in cui risiedeva la battuta — e l'argomento.
Allais morì il 28 ottobre 1905 a Parigi, avendo trascorso la sua carriera principalmente come giornalista e umorista per pubblicazioni tra cui Le Chat Noir e Le Sourire. Pubblicò raccolte di brevi pezzi in prosa e aforismi che sono ancora letti in Francia come classici della letteratura assurda. I dipinti monocromatici occuparono una parte relativamente piccola della sua produzione ma costituiscono, in retrospettiva, di gran lunga il suo contributo più significativo alla storia dell'arte — un contributo che rimase in gran parte sconosciuto finché il XX secolo non iniziò a produrre artisti che avevano bisogno esattamente del precedente che aveva stabilito.
Il metodo di Allais era brutalmente semplice: scegliere un colore, dipingere l'intera tela con quel colore, scrivere un titolo che abbini il colore a una scena in cui quel colore avrebbe logicamente predominato, ed esporre il risultato con completa serietà.
La serie monocromatica di Allais funziona come un unico e ampio argomento sulla relazione tra linguaggio e visione, titolo e immagine, aspettativa e realizzazione. Ogni opera nella collezione Zephyeer presenta una proposizione in quell'argomento — precisa, impassibile e ancora sorprendentemente divertente dopo più di un secolo.
01
Serie Monocromatica
Cornuti Itterici che Maneggiano l'Ocra
Cornuti Itterici che Maneggiano l'Ocra esemplifica la logica strutturale della serie monocromatica di Allais con particolare economia: l'itterizia è gialla, l'ocra è gialla, la vergogna tradizionale del cornuto è associata al giallo. I tre gialli si fondono in un unico campo piatto. Il titolo narra una scena; la tela non mostra altro che il colore che unifica tutti i suoi partecipanti. Il divario tra il ricco dramma sociale implicato dal titolo e l'assoluta indeterminatezza della superficie è precisamente calibrato.
Esposta al Salon des Arts Incohérents, l'opera fu accolta come uno scherzo — il che è — ma Allais stava anche formulando un serio argomento sulle convenzioni della pittura narrativa, in cui i titoli promettevano regolarmente scene di grande drammaticità che la tela poteva solo approssimare. I suoi monocromi mantengono completamente la promessa cromatica del titolo, pur negando tutto il resto, esponendo la relazione arbitraria tra rappresentazione pittorica e descrizione verbale.
Il dipinto dimostra che un titolo non è una descrizione di un'immagine ma un insieme di istruzioni su come leggerla — istruzioni che possono essere manipolate per far sì che una tela vuota significhi qualcosa di molto specifico.
02
Serie Monocromatica
Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve
Il monocromo bianco è l'opera più estrema formalmente nella serie di Allais — una tela che presenta nient'altro che la sua superficie, giustificata da un titolo che accumula ossessivamente biancore: neve, anemia, gli abiti bianchi della prima comunione, il pallore delle ragazze adolescenti. Ogni elemento della scena è bianco; la tela è bianca; l'equazione è completa e completamente assurda.
Quest'opera precede Bianco su Bianco di Kasimir Malevich di oltre tre decenni e i monocromi bianchi di Yves Klein di oltre sessant'anni. Allais arrivò alla tela bianca vuota non attraverso alcun programma mistico o trascendentale, ma attraverso il più banale degli espedienti comici: l'abbinamento del colore al nome. Il risultato, nonostante la sua origine farsesca, ha la stessa cruda forza visiva dei suoi discendenti più celebri.
Ogni tela bianca nell'arte occidentale da Malevich a Rauschenberg a Robert Ryman porta un piccolo, misconosciuto debito verso l'uomo che per primo si chiese se un titolo da solo potesse riempirne una.
03
Serie Monocromatica
Cardinali Apocrifi che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso (Studio dell'Aurora Boreale)
Il monocromo rosso è il più barocco dei titoli di Allais: l'apoplessia arrossa il viso, i cardinali indossano paramenti rossi, i pomodori sono rossi, il Mar Rosso è rosso di nome e l'aurora boreale può essere rossa. Il sottotitolo tra parentesi — "Studio dell'Aurora Boreale" — arriva come un secondo colpo di scena, una finta giustificazione scientifica che moltiplica l'eccessivo inventario di rossi già presente nel titolo. La tela sotto tutta questa descrizione è un campo uniforme di vernice rossa, una delle più efficienti performance di sovraccarico logico nella storia dell'umorismo europeo.
La struttura del dipinto — un apparato verbale sempre più gonfiato su una superficie pittorica completamente piatta — anticipa le strategie degli artisti concettuali che, decenni dopo, avrebbero scoperto che il linguaggio poteva essere il materiale primario di un'opera d'arte visiva. Allais ci arrivò per primo, dalla direzione della battuta piuttosto che dal manifesto.
Allais capì che un titolo sufficientemente elaborato funziona come una sorta di rumore visivo — affolla l'immaginazione dello spettatore con immagini così completamente che la tela vuota diventa non un vuoto ma un'ouverture.
04
Serie Monocromatica
Banda di Frati Grigi nella Nebbia (Banda di Ubriachi Polverosi nella Nebbia)
Il monocromo grigio presenta il metodo di Allais nella sua forma più leggibile. I frati grigi indossano abiti grigi; la nebbia è grigia; gli ubriachi, impalliditi dal vino scadente, assumono un aspetto grigio; la polvere è grigia. Il doppio titolo — sia i rispettabili "Frati Grigi" sia i disonorevoli "Ubriachi Polverosi" abitano la stessa scena — suggerisce che il campo grigio accoglie letture sociali contraddittorie senza differenziazioni, esattamente come fa la nebbia nella realtà.
Il motivo della nebbia collega Allais al più ampio fascino di fine Ottocento per gli effetti atmosferici — i notturni di Whistler, le serie di dipinti di Monet — ma Allais inverte il loro progetto romantico. Laddove Whistler e Monet trovavano nella nebbia un veicolo per sottili gradazioni tonali, Allais riduce tutte queste gradazioni a un unico grigio indifferenziato e lascia che sia il titolo a svolgere il lavoro atmosferico.
Il monocromo grigio è l'opera visivamente più serena della serie e la più socialmente democratica: nella sua nebbia, tutte le classi e tutte le reputazioni sono ugualmente invisibili e ugualmente presenti.
05
Serie Monocromatica
Alcuni Protettori, Conosciuti come "Green Backs", a Pancia in Giù nell'Erba, Bevono Assenzio
Il monocromo verde è l'opera socialmente più trasgressiva della serie — il suo titolo combina il disprezzo di classe, la degradazione corporea e il verde specifico dell'assenzio, il veleno di moda di Montmartre, con il verde dell'erba e il verde delle banconote. La parola "verde" non compare nel titolo, ma ogni sostantivo in esso è verde; la tela fornisce la sintesi.
L'assenzio era la bevanda dei bohémien e degli emarginati nella Parigi degli anni '80 dell'Ottocento, e Allais — che frequentava gli stessi locali degli uomini descritti nel suo titolo — conosceva bene il suo soggetto. Il dipinto appartiene allo stesso momento culturale de L'Assenzio di Degas e delle scene da bar di Toulouse-Lautrec, ma la rappresentazione di Allais svuota ogni psicologia e la sostituisce con un unico, inequivocabile campo di colore. L'effetto è più grottesco e considerevolmente più divertente.
Collocando la sua scena scandalosa interamente nel titolo e lasciando la tela vuota, Allais assicura che l'immaginazione dello spettatore faccia tutto il lavoro — e si assuma tutta la responsabilità morale per ciò che vi immagina.
06
Serie Monocromatica
Lo Stupore delle Reclute della Marina che Vedono per la Prima Volta il Tuo Blu, O Mar Mediterraneo!
Il monocromo blu è il titolo più lirico della serie e il più retoricamente stravagante. L'apostrofe — l'indirizzo diretto al Mediterraneo in seconda persona — importa l'intero apparato della poesia romantica in una tela che risponde a tutto questo ardore verbale con un rettangolo piatto di pittura blu. Lo stupore delle reclute è descritto nel titolo; la tela non mostra loro altro che l'oggetto di quello stupore, inalterato e non mediato.
Il dipinto precede i famosi monocromi IKB (International Klein Blue) di Yves Klein di oltre settant'anni, e la logica concettuale è quasi identica: un campo di blu saturo che si presenta come un incontro con qualcosa di vasto e travolgente. Klein arrivò ai suoi monocromi attraverso il misticismo e il judo; Allais arrivò ai suoi attraverso l'umorismo giornalistico. I risultati sono formalmente indistinguibili.
Che il blu di Allais e il blu di Klein siano la stessa mossa, raggiunta da direzioni opposte, è la prova più chiara che il suo lavoro apparteneva da sempre alla storia dell'arte — ci sono voluti solo ottant'anni alla storia dell'arte per accorgersene.
6 Stampe di Alphonse Allais, Qualità Museale
Incorniciate in modo sostenibile · Carta d'archivio · Pronte da appendere
L'Eredità di Alphonse Allais
La linea che va da Allais all'arte del XX secolo attraversa diverse generazioni di artisti che potrebbero aver conosciuto o meno il suo nome. I ready-made di Marcel Duchamp — oggetti il cui status di arte era interamente determinato dal loro titolo e contesto — operano sullo stesso principio dei monocromi di Allais: l'opera d'arte risiede nel gesto di nomina, non nell'oggetto stesso. I monocromi blu di Yves Klein della fine degli anni '50, il Quadrato nero (1915) e il Bianco su bianco (1918) di Kazimir Malevich, i dipinti neri di Ad Reinhardt, il de Kooning cancellato di Robert Rauschenberg — tutti questi partecipano a un'argomentazione che Allais aveva già formulato, dall'improbabile piattaforma di una rivista umoristica di cabaret parigino, nel 1883. Più recentemente, artisti come Maurizio Cattelan hanno perseguito strategie simili di commedia concettuale, accostando titoli assurdi a oggetti bianchi o minimali per esporre l'apparato istituzionale che conferisce alle opere d'arte la loro autorità.
La presenza istituzionale di Allais è necessariamente esile — morì nel 1905 e trascorse la sua vita a produrre giornalismo effimero piuttosto che dipinti pronti per l'esposizione — ma i suoi monocromi sono stati riprodotti e discussi in ogni importante resoconto dell'arte proto-concettuale e concettuale dagli anni '60. Il Centre Pompidou a Parigi, la Bibliothèque nationale de France e varie collezioni private custodiscono materiali documentari della sua carriera. I suoi scritti in prosa rimangono in stampa in Francia, e nuove traduzioni dei suoi aforismi e racconti continuano ad apparire in inglese. La sua reputazione nella storia dell'arte, a lungo confinata alle note a piè di pagina, è ora qualcosa di più vicino a un capitolo.
In un interno contemporaneo, una stampa di Alphonse Allais funziona come un "pezzo da conversazione" nel senso più esatto: richiede una conversazione su cosa sia e se possa essere considerata un dipinto, che è proprio la conversazione che Allais ha progettato per iniziare. Le opere sono anche, formalmente, tra gli oggetti più versatili a disposizione di un interior designer — un campo colorato con precisione in una qualsiasi delle sei tonalità di Allais ancorerà la storia cromatica di una stanza con il minimo rumore visivo e il massimo peso concettuale. La tradizione minimalista nell'arte è raramente stata espressa in modo più succinto, o raggiunta in modo più divertente.
Domande Frequenti
Per cosa è più conosciuto Alphonse Allais?
Allais è noto soprattutto per una serie di dipinti monocromatici che espose al Salon des Arts Incohérents di Parigi a partire dal 1883, in cui tele uniformemente colorate venivano dotate di titoli elaborati che descrivevano scene in cui quel colore predominava naturalmente. I più famosi includono una tela bianca intitolata Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve e una tela rossa intitolata Cardinali Apocrifi che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso. È anche celebrato come uno dei grandi scrittori assurdità francesi della Belle Époque.
In che modo Alphonse Allais ha influenzato l'arte concettuale?
I monocromi di Allais hanno anticipato diverse mosse chiave dell'arte concettuale: la preminenza del titolo e dell'incorniciatura linguistica sul contenuto pittorico, l'uso dell'umorismo come strumento critico e la riduzione dell'opera d'arte a una singola proposta materiale indifferenziata. I ready-made di Marcel Duchamp, i monocromi blu di Yves Klein e le opere basate sul testo di Lawrence Weiner e Joseph Kosuth partecipano tutti a un'argomentazione che Allais aveva già formulato, senza l'intenzione di fondare un movimento, nella Parigi degli anni '80 dell'Ottocento.
Cos'era il Salon des Arts Incohérents?
Il Salon des Arts Incohérents fu una serie di mostre satiriche annuali tenutesi a Parigi tra il 1882 e il 1896, organizzate dallo scrittore Jules Lévy come parodia del Salon ufficiale. Le mostre presentavano opere deliberatamente assurde, non accademiche e spesso anonime — tele bianche, disegni fatti da persone che non sapevano disegnare, oggetti etichettati come dipinti — ed erano enormemente popolari tra il pubblico parigino. Allais fu tra i contributori più prolifici, e gli Incohérents fornirono il contesto istituzionale in cui la sua serie di monocromi ebbe senso come provocazione nel mondo dell'arte piuttosto che semplicemente come uno scherzo.
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