Dipinti di Alphonse Allais: Vita, Stile e Opere Famose
Assurdismo · Monocromo · Francese · 1854–1905
Alphonse Allais
Dipinti
Alphonse Allais utilizzò l'apparato della pittura contro sé stesso, producendo tele monocromatiche con titoli impassibili che anticiparono l'arte concettuale di sessant'anni e dimostrarono che uno scherzo poteva essere la cosa più seria in una stanza.
Cornuti Itterici che Maneggiano Ocra · 1883
Chi era Alphonse Allais?
I dipinti di Alphonse Allais rappresentano uno degli interventi più audaci nella storia dell'arte — tanto più notevole per essere stato realizzato nel 1883, quando gli Impressionisti stavano ancora lottando per il riconoscimento e l'idea di una tela bianca come opera d'arte completata era letteralmente inconcepibile. Nato il 20 ottobre 1854 a Honfleur, Normandia — la stessa città portuale che attrasse Boudin, Jongkind e il giovane Monet — Allais si trasferì a Parigi ventenne e si immerse nella cultura letteraria e cabarettistica di Montmartre. Divenne una figura centrale al Chat Noir, il leggendario cabaret del XVIII arrondissement che fungeva da centro sociale per i Decadenti, i Simbolisti e gli Idropatici, un gruppo letterario satirico che contribuì a fondare.
Nel 1882, il poeta Paul Bilhaud espose un rettangolo uniformemente nero al Salon des Arts Incohérents di Parigi sotto il titolo Combat de nègres dans un tunnel. Gli Incohérents erano un collettivo eterogeneo dedicato all'assurdismo anti-accademico, e i loro saloni annuali erano concepiti per deridere le pretese della cultura artistica ufficiale francese. Allais, che fu tra i più prolifici contributori degli Incohérents, riconobbe nella provocazione di Bilhaud un intero genere in attesa di essere sistematizzato. Tra il 1883 e il 1897 produsse una serie di dipinti monocromatici — ciascuno un unico campo piatto di colore — con titoli che esplicitavano la scena narrativa che la superficie vuota avrebbe dovuto raffigurare. Un rettangolo bianco divenne Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve. Un campo rosso divenne Cardinalisti Apatici che Raccolgono Pomodori sulla Riva del Mar Rosso. Una distesa grigia divenne un'immagine di ubriachi cenerini che svaniscono nella nebbia. La logica era coerente: il colore e il soggetto corrispondevano, e il divario tra il pomposo titolo descrittivo e la superficie pittorica vuota era il luogo in cui risiedevano lo scherzo — e l'argomento.
Allais morì il 28 ottobre 1905 a Parigi, avendo trascorso la sua carriera principalmente come giornalista e umorista per pubblicazioni tra cui Le Chat Noir e Le Sourire. Pubblicò raccolte di brevi brani in prosa e aforismi che sono ancora letti in Francia come classici della letteratura assurda. I dipinti monocromatici occuparono una parte relativamente piccola della sua produzione, ma costituiscono, in retrospettiva, di gran lunga il suo contributo più significativo alla storia dell'arte — un contributo che rimase in gran parte inespresso fino a quando il ventesimo secolo non iniziò a produrre artisti che avevano esattamente bisogno del precedente da lui stabilito.
Il metodo di Allais era brutalmente semplice: scegliere un colore, dipingere l'intera tela con quel colore, scrivere un titolo che associasse il colore a una scena in cui quel colore predominerebbe logicamente, ed esporre il risultato con completa serietà.
La serie monocromatica di Allais funziona come un unico e prolungato argomento sulla relazione tra linguaggio e visione, titolo e immagine, aspettativa e realizzazione. Ogni opera della collezione Zephyeer presenta una proposizione in questo argomento — precisa, impassibile e ancora sorprendentemente divertente dopo più di un secolo.
01
Serie Monocromatica
Cornuti Itterici che Maneggiano l'Ocra
Cornuti Itterici che Maneggiano l'Ocra esemplifica con particolare economia la logica strutturale della serie monocromatica di Allais: l'itterizia è gialla, l'ocra è gialla, la vergogna tradizionale del cornuto è associata al giallo. I tre gialli collassano in un unico campo piatto. Il titolo narra una scena; la tela non mostra altro che il colore che unifica tutti i suoi partecipanti. Il divario tra il ricco dramma sociale implicato dal titolo e l'assoluta vuotezza della superficie è calibrato con precisione.
Esposta al Salon des Arts Incohérents, l'opera fu accolta come uno scherzo — cosa che è — ma Allais stava anche formulando un'argomentazione seria sulle convenzioni della pittura narrativa, in cui i titoli promettevano regolarmente scene di grande drammaticità che la tela poteva solo approssimare. I suoi monocromi mantengono completamente la promessa cromatica del titolo pur sottraendo tutto il resto, esponendo il rapporto arbitrario tra rappresentazione pittorica e descrizione verbale.
Il dipinto dimostra che un titolo non è una descrizione di un'immagine, ma un insieme di istruzioni su come leggerla — istruzioni che possono essere manipolate per far sì che una tela vuota significhi qualcosa di molto specifico.
02
Serie Monocromatica
Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve
Il monocromo bianco è l'opera più formalmente estrema della serie di Allais — una tela che non presenta altro che la propria superficie, giustificata da un titolo che accumula ossessivamente il bianco: neve, anemia, gli abiti bianchi della prima comunione, il pallore delle adolescenti. Ogni elemento della scena è bianco; la tela è bianca; l'equazione è completa e completamente assurda.
Quest'opera precede Bianco su Bianco di Kasimir Malevich di oltre tre decenni e i monocromi bianchi di Yves Klein di oltre sessant'anni. Allais arrivò alla tela bianca vuota non attraverso alcun programma mistico o trascendentale, ma attraverso il più mondano dei dispositivi comici: l'abbinamento del colore al nome. Il risultato, nonostante la sua origine farsesca, ha la stessa forza visiva netta dei suoi discendenti più celebri.
Ogni tela bianca nell'arte occidentale da Malevich a Rauschenberg a Robert Ryman porta un piccolo, inespresso debito all'uomo che per primo si chiese se un titolo da solo potesse riempirne una.
03
Serie Monocromatica
Cardinaletti Apatici che Raccogliendo Pomodori sulla Riva del Mar Rosso (Studio dell'Aurora Boreale)
Il monocromo rosso è il più barocco dei titoli di Allais: l'apoplessia arrossa il viso, i cardinali indossano vesti rosse, i pomodori sono rossi, il Mar Rosso è rosso di nome, e l'aurora boreale può essere rossa. Il sottotitolo tra parentesi — "Studio dell'Aurora Boreale" — arriva come una seconda battuta, una falsa copertura scientifica che moltiplica l'inventario già eccessivo di rossi del titolo. La tela sotto tutta questa descrizione è un campo uniforme di pittura rossa, una delle più efficienti performance di sovraccarico logico nella storia dell'umorismo europeo.
La struttura del dipinto — un apparato verbale sempre più gonfiato su una superficie pittorica completamente piatta — anticipa le strategie degli artisti concettuali che, decenni dopo, avrebbero scoperto che il linguaggio poteva essere il materiale primario di un'opera d'arte visiva. Allais ci arrivò per primo, partendo dalla battuta finale anziché dal manifesto.
Allais capì che un titolo sufficientemente elaborato funziona come una sorta di rumore visivo — affolla l'immaginazione dello spettatore con immagini così completamente che la tela vuota non diventa un vuoto ma un'ouverture.
04
Serie Monocromatica
Banda di Frati Grigi nella Nebbia (Banda di Ubriachi Polverosi nella Nebbia)
Il monocromo grigio presenta il metodo di Allais nella sua forma più leggibile. I frati grigi indossano abiti grigi; la nebbia è grigia; gli ubriachi, pallidi per il cattivo vino, assumono una tinta grigia; la polvere è grigia. Il doppio titolo — sia i rispettabili "Frati Grigi" che i disreputati "Ubriachi Polverosi" abitano la stessa scena — suggerisce che il campo grigio accoglie letture sociali contraddittorie senza distinzioni, proprio come fa la nebbia nella realtà.
Il motivo della nebbia collega Allais alla più ampia fascinazione di fine Ottocento per gli effetti atmosferici — i notturni di Whistler, le serie di dipinti di Monet — ma Allais inverte il loro progetto romantico. Dove Whistler e Monet trovavano nella nebbia un veicolo per sottili gradazioni tonali, Allais comprime tutta quella gradazione in un unico grigio indifferenziato e lascia che sia il titolo a svolgere il lavoro atmosferico.
Il monocromo grigio è l'opera visivamente più serena della serie e la più socialmente democratica: nella sua nebbia, tutte le classi e tutte le reputazioni sono ugualmente invisibili e ugualmente presenti.
05
Serie Monocromatica
Alcuni protettori, conosciuti come Green Backs, distesi sull'erba, bevendo assenzio
Il monocromo verde è l'opera socialmente più trasgressiva della serie — il suo titolo combina disprezzo di classe, degradazione corporea e il verde specifico dell'assenzio, il veleno alla moda di Montmartre, con il verde dell'erba e il verde delle banconote. La parola "verde" non compare nel titolo, ma ogni sostantivo in esso è verde; la tela fornisce la sintesi.
L'assenzio era la bevanda dei bohémien e degli emarginati nella Parigi degli anni '80 dell'Ottocento, e Allais — che frequentava gli stessi locali degli uomini descritti nel suo titolo — conosceva il suo soggetto. Il dipinto appartiene allo stesso momento culturale di L'Assenzio di Degas e delle scene di bar di Toulouse-Lautrec, ma la resa di Allais evacua ogni psicologia e la sostituisce con un unico, inequivocabile campo cromatico. L'effetto è più grottesco e considerevolmente più divertente.
Ponendo la sua scandalosa scena interamente nel titolo e lasciando la tela vuota, Allais assicura che l'immaginazione dello spettatore faccia tutto il lavoro — e si assuma tutta la responsabilità morale per ciò che vi immagina.
06
Serie Monocromatica
Lo Stupore delle Reclute della Marina che Vedono per la Prima Volta il Tuo Blu, O Mar Mediterraneo!
Il monocromo blu è il titolo più lirico della serie, e il più retoricamente stravagante. L'apostrofe — l'interpellanza diretta al Mediterraneo in seconda persona — importa l'intero apparato della poesia romantica in una tela che risponde a tutto questo ardore verbale con un piatto rettangolo di pittura blu. Lo stupore delle reclute è descritto nel titolo; la tela mostra loro nient'altro che l'oggetto di quello stupore, inalterato e senza mediazioni.
Il dipinto precede i famosi monocromi IKB (International Klein Blue) di Yves Klein di oltre settant'anni, e la logica concettuale è quasi identica: un campo saturo di blu che si presenta come un incontro con qualcosa di vasto e travolgente. Klein arrivò ai suoi monocromi attraverso il misticismo e il judo; Allais vi arrivò attraverso l'umorismo giornalistico. I risultati sono formalmente indistinguibili.
Che il blu di Allais e il blu di Klein siano la stessa mossa, raggiunta da direzioni opposte, è la prova più chiara che la sua opera appartenesse alla storia dell'arte fin dall'inizio — ci sono voluti solo ottant'anni perché la storia dell'arte se ne accorgesse.
6 Stampe di Alphonse Allais, Qualità Museale
Incorniciate in modo sostenibile · Carta d'archivio · Pronte da appendere
L'Eredità di Alphonse Allais
La linea che va da Allais all'arte del ventesimo secolo attraversa diverse generazioni di artisti che potrebbero aver conosciuto o meno il suo nome. I readymade di Marcel Duchamp — oggetti il cui status di arte era interamente determinato dal loro titolo e contesto — operano sullo stesso principio dei monocromi di Allais: l'opera d'arte è nel gesto di nominare, non nell'oggetto stesso. I monocromi blu di Yves Klein della fine degli anni '50, il Quadrato Nero (1915) e il Bianco su Bianco (1918) di Kazimir Malevich, i dipinti neri di Ad Reinhardt, il de Kooning cancellato di Robert Rauschenberg — tutti questi partecipano a un'argomentazione che Allais aveva già formulato, dall'improbabile piattaforma di una rivista umoristica di cabaret parigino, nel 1883. Più recentemente, artisti come Maurizio Cattelan hanno perseguito strategie simili di commedia concettuale, ponendo titoli assurdi contro oggetti vuoti o minimali per esporre l'apparato istituzionale che conferisce alle opere d'arte la loro autorità.
La presenza istituzionale di Allais è necessariamente esigua — morì nel 1905 e trascorse la sua vita producendo giornalismo effimero anziché dipinti pronti per essere esposti — ma i suoi monocromi sono stati riprodotti e discussi in ogni importante resoconto dell'arte proto-concettuale e concettuale dagli anni '60 in poi. Il Centre Pompidou di Parigi, la Bibliothèque nationale de France e varie collezioni private custodiscono materiali documentari della sua carriera. I suoi scritti in prosa rimangono in stampa in Francia, e nuove traduzioni dei suoi aforismi e racconti continuano ad apparire in inglese. La sua reputazione storica dell'arte, a lungo confinata alle note a piè di pagina, è ora qualcosa di più simile a un capitolo.
In un interno contemporaneo, una stampa di Alphonse Allais funziona come un pezzo da conversazione nel senso più esatto: richiede una conversazione su cosa sia e se possa essere considerata un dipinto, che è proprio la conversazione che Allais intendeva avviare. Le opere sono anche, formalmente, tra gli oggetti più versatili a disposizione di un interior designer — un campo colorato con precisione in una qualsiasi delle sei tonalità di Allais ancorerà la storia cromatica di una stanza con un rumore visivo minimo e un peso concettuale massimo. La tradizione minimalista nell'arte raramente è stata espressa in modo più conciso, o raggiunta in modo più divertente.
Domande Frequenti
Per cosa è più conosciuto Alphonse Allais?
Allais è noto soprattutto per una serie di dipinti monocromatici esposti al Salon des Arts Incohérents di Parigi a partire dal 1883, in cui tele di colore uniforme ricevevano titoli elaborati che descrivevano scene in cui quel colore predominava naturalmente. I più famosi includono una tela bianca intitolata Prima Comunione di Giovani Ragazze Anemiche nella Neve e una tela rossa intitolata Cardinaletti Apatici che Raccogliendo Pomodori sulla Riva del Mar Rosso. È anche celebrato come uno dei grandi scrittori francesi dell'assurdo della Belle Époque.
Come ha influenzato Alphonse Allais l'arte concettuale?
I monocromi di Allais anticiparono molte delle mosse chiave dell'arte concettuale: la preminenza del titolo e dell'inquadratura linguistica sul contenuto pittorico, l'uso dell'umorismo come strumento critico e la riduzione dell'opera d'arte a una singola e indifferenziata proposta materiale. I ready-made di Marcel Duchamp, i monocromi blu di Yves Klein e le opere basate sul testo di Lawrence Weiner e Joseph Kosuth partecipano tutti a un'argomentazione che Allais aveva già avanzato, senza l'intenzione di fondare un movimento, nella Parigi degli anni '80 dell'Ottocento.
Cos'era il Salon des Arts Incohérents?
Il Salon des Arts Incohérents fu una serie di mostre satiriche annuali tenutesi a Parigi tra il 1882 e il 1896, organizzate dallo scrittore Jules Lévy come parodia del Salon ufficiale. Le mostre presentavano opere deliberatamente assurde, non accademiche e spesso anonime — tele bianche, disegni fatti da persone che non sapevano disegnare, oggetti etichettati come dipinti — ed erano enormemente popolari tra il pubblico parigino. Allais fu tra i contributori più prolifici, e gli Incohérents fornirono il contesto istituzionale in cui la sua serie di monocromi ebbe senso come provocazione nel mondo dell'arte piuttosto che semplicemente come uno scherzo.
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