Ben Nicholson
Quadri

Dipinto nel 1967 durante gli anni in cui Nicholson viveva in Ticino, Svizzera — dove si trasferì con la sua terza moglie, la fotografa Felicitas Vogler, nel 1958 — Ronco prende il nome da un villaggio sul Lago Maggiore e dimostra lo stile tardo in cui l'osservazione del paesaggio e la struttura astratta sono tenute nella stessa immagine senza forzare una risoluzione tra di esse. Il titolo radica l'opera in un luogo specifico mentre l'immagine si rifiuta di illustrarlo.

A questo punto della sua carriera Nicholson aveva sviluppato una pratica di lavoro con l'astrazione lineare direttamente tratta dal paesaggio osservato — orizzontali di acqua e colline, verticali di edifici e alberi — e poi permettendo a queste linee di staccarsi dalla loro origine e organizzarsi come pure relazioni grafiche sulla superficie dipinta. Il risultato è un'opera che si legge diversamente a seconda che lo spettatore la consideri astrazione o paesaggio.

Questo dipinto del 1956 della Val d'Orcia in Toscana è una delle opere più celebri del periodo figurativo tardo di Nicholson. Nello stesso anno in cui gli fu assegnato il primo premio Guggenheim International per la pittura — un riconoscimento che lo pose al centro dell'astrazione internazionale del dopoguerra — produsse quest'opera che si avvicina più alla descrizione paesaggistica che alla geometria pura. Nicholson datava le sue opere con la stessa precisione di una voce di diario: agosto 1956 colloca il dipinto in un momento specifico di luce estiva.

I cipressi, le dolci colline e la chiara luce toscana della Val d'Orcia avevano attratto pittori nordeuropei per secoli. La versione di Nicholson riduce il paesaggio a piani definiti a matita e bande di colore caldo che conservano sufficiente logica spaziale per essere leggibili come terreno, funzionando al contempo come zone astratte. La Tate possiede un'opera comparabile di questa serie toscana.

L'anno 1937 fu un punto di svolta nella carriera di Nicholson e nel modernismo britannico in senso più ampio. Fu l'anno in cui fu pubblicato Circle: International Survey of Constructive Art — il manifesto che co-curò con Naum Gabo e Leslie Martin — posizionando il suo lavoro all'interno di un quadro internazionale di principi costruttivisti. Il dipinto del giugno 1937 appartiene a questo momento di massimo impegno geometrico, quando la sua opera era più strettamente allineata al neoplasticismo di Mondrian.

La composizione utilizza il linguaggio di rettangoli ad incastro e piani di colore che Nicholson aveva sviluppato dal suo incontro con Mondrian a Parigi nel 1933. A differenza dei rilievi bianchi dello stesso periodo, i dipinti del 1937 mantengono il colore — aree nette e piatte di rosso, blu, grigio e ocra che fungono da controparti cromatiche all'argomentazione spaziale fatta dalla struttura delle linee.

Nicholson intitolò questo dipinto per sottolinearne il significato storico — lo riconobbe, al momento della realizzazione o poco dopo, come la sua prima opera pienamente astratta, e lo nominò di conseguenza. La designazione Chelsea lo colloca nello studio che occupò nel 1924, lo stesso anno in cui tenne la sua prima mostra personale e fu eletto alla Seven and Five Society. A trent'anni aveva trovato la direzione che lo avrebbe impegnato per i successivi sei decenni.

Il dipinto riflette l'influenza cubista che Nicholson aveva assorbito durante le sue visite a Parigi dal 1921: la frammentazione degli oggetti in piani sovrapposti, il crollo della prospettiva spaziale convenzionale, l'organizzazione a griglia della superficie. Ciò che lo rende una prima astrazione piuttosto che una natura morta di ispirazione cubista è il grado in cui il riferimento a oggetti esterni è stato soppresso — la composizione funziona come una disposizione di forme e toni senza richiedere allo spettatore di ricostruire ciò che era stato osservato.

Egeo 2, anch'esso del 1967, pone le isole greche — la loro luce, la loro geometria di muri bianchi e acqua blu — come origine osservazionale di una composizione che mantiene il caratteristico equilibrio di Nicholson tra luogo descritto e struttura astratta. L'Egeo gli ha offerto lo stesso invito a ridurre il paesaggio alle sue essenziali orizzontali e verticali che la Val d'Orcia aveva offerto un decennio prima.

La relazione tra i due dipinti dell'Egeo dello stesso anno (Egeo e Egeo 2 sono entrambi nella collezione Zephyeer) dimostra il metodo di lavoro di Nicholson in serie — tornando allo stesso motivo, alla stessa tavolozza, alla stessa sfida compositiva su più tele per estrarre diverse possibilità dallo stesso punto di partenza. La pratica è più strettamente correlata alle indagini seriali di Cézanne della Montagne Sainte-Victoire che alla serialità modernista in senso più sistematico.

La precisione dei titoli-data di Nicholson — 2 febbraio 1954 — colloca i suoi dipinti in una pratica quotidiana di osservazione prolungata, trattando ogni opera come la registrazione di un momento specifico di attenzione piuttosto che una composizione senza tempo. Questo dipinto del 1954 proviene dal periodo di St Ives, dopo che la retrospettiva della Biennale di Venezia del 1954 aveva confermato la sua statura internazionale e nell'anno della sua retrospettiva alla Tate di Londra.

I motivi di natura morta e paesaggio degli anni di St Ives appaiono spesso simultaneamente in queste opere — una tazza e una brocca su un tavolo il cui bordo orizzontale coincide con l'orizzonte della baia vista attraverso una finestra, in modo che l'oggetto interno e lo spazio esterno diventino parte dello stesso sistema spaziale. Nicholson descrisse questa compressione del vicino e del lontano come una preoccupazione primaria del suo lavoro, e non è mai stata realizzata con maggiore precisione che nei dipinti di St Ives dei primi anni '50.