Bice Lazzari
Quadri

Prodotto nel 1925, quando la Lazzari aveva ventiquattro anni e lavorava negli ambienti artistici razionalisti di Venezia, questo disegno su carta rappresenta una delle prime testimonianze sopravvissute della sua capacità di pura astrazione lineare. Il titolo — "Astrazione di una linea n. 2, disegno" — annuncia direttamente il soggetto: la linea stessa è ciò che viene studiato, non ciò che una linea potrebbe raffigurare. Lavorando a matita e pastello colorato, la Lazzari tratta ogni segno come un evento indipendente nello spazio piuttosto che come un contorno di qualcos'altro. Il disegno precede di decenni la pratica del segno che avrebbe definito la sua tarda carriera, e mostra che il suo orientamento fondamentale verso la linea come soggetto fu stabilito precocemente.

L'opera appartiene al periodo in cui la Lazzari si muoveva nella scena artistica veneziana e iniziava la sua affiliazione con i circoli d'avanguardia attorno a Carlo Scarpa e Mario Deluigi. Le arti applicate l'avrebbero occupata per il decennio successivo, ma questo disegno chiarisce che il suo impegno per l'astrazione era già pienamente formato. L'Archivio Bice Lazzari custodisce questa e altre opere giovanili su carta, esposte in importanti retrospettive a partire dal 2000.

Nel 1950, la Lazzari era tornata a dipingere a tempo pieno dopo la guerra e stava producendo le tele a olio che sarebbero state riconosciute come tra i migliori esempi di informalismo italiano. L-11 appartiene a una serie in cui una designazione alfanumerica sostituisce un titolo descrittivo — una mossa verso una tassonomia pura che riflette il suo impegno a trattare il dipinto come un oggetto autonomo piuttosto che una raffigurazione di qualcos'altro. La tela fu prodotta nel periodo in cui ricevette il suo primo riconoscimento critico sostenuto: una mostra personale alla Galleria La Cassapanca di Roma nel 1951 seguì il completamento di quest'opera di un anno.

Il dipinto sfrutta la capacità dell'olio di creare densità materica — aree di pittura che portano la loro presenza fisica come parte della composizione. La struttura complessiva è geometrica ma la superficie non è meccanica: la mano è visibile ovunque, conferendo all'opera un calore che l'astrazione puramente a bordo duro precluderebbe. Questa combinazione di rigore strutturale e umanità materica è ciò che definisce il periodo informale della Lazzari e lo distingue dagli sviluppi europei paralleli.

Racconto n. 2 appartiene alla produzione di metà decennio della Lazzari, ora nella collezione permanente della Phillips Collection a Washington, D.C. Il titolo introduce la narrazione come una categoria che il dipinto frustra immediatamente: non c'è una storia nel senso convenzionale, ma c'è sequenza, ripetizione e il senso strutturale che un elemento segue l'altro secondo una logica interna. La tela fu esposta nel periodo in cui la Lazzari partecipava alla Biennale di Venezia e alla Quadriennale di Roma — le istituzioni che, negli anni '50, costituivano il suo principale contesto di riferimento.

Il dipinto dimostra il carattere espressivo e gestuale del lavoro degli anni '50 della Lazzari al suo massimo sviluppo: spesse aree di olio che registrano il movimento della sua mano sulla superficie, organizzate in zone che mantengono relazioni cromatiche con precisione anche se i loro bordi rimangono fluidi. La Phillips Collection ha acquisito quest'opera nel 2018 come parte del dono dell'Archivio Bice Lazzari e dell'Ambasciata d'Italia, inserendola per la prima volta in un'importante collezione museale americana.

Dipinto nell'anno in cui la Lazzari attraversò la sua decisiva crisi stilistica, Indicazione appartiene al corpo di opere di transizione prodotte mentre abbandonava gli oli e iniziava a lavorare con nuovi materiali: tempera, colla, sabbia e infine acrilico. Il titolo descrive la funzione dell'opera: è un dipinto che punta verso qualcosa, che indica una direzione, senza ancora abitare pienamente il linguaggio semplificato che avrebbe definito i diciassette anni successivi della sua produzione. È un dipinto consapevole della sua posizione di soglia.

Il cambiamento del 1964 non fu puramente volontario — la pittura a olio danneggiava gli occhi della Lazzari, ed fu costretta a riqualificarsi con materiali che richiedevano meno contatto. Ciò che iniziò come una limitazione divenne una liberazione: gli acrilici richiedevano un approccio diverso alla superficie, e lo stile minimale e a bordo netto che ne risultò si dimostrò più risonante di qualsiasi cosa avesse prodotto nel denso periodo informale. Indicazione si colloca al fulcro di questa trasformazione, portando la storia materiale delle opere precedenti e puntando inequivocabilmente alla pratica minimalista che l'attendeva.

La serie Misure, iniziata a metà degli anni '60, costituisce la più chiara dichiarazione della filosofia pittorica matura della Lazzari. Il titolo descrive ciò che i dipinti fanno: misurano lo spazio, l'intervallo e il peso di un segno contro il fondo. Misure n. 31, dipinto nel 1966, mostra la serie in pieno sviluppo — fasce orizzontali di linee tracciate a mano su uno sfondo monocromatico, ogni linea leggermente diversa da quella superiore, gli intervalli tra di esse generano un ritmo più percepibile che calcolato. Il paragone con la notazione musicale non è metaforico: la formazione conservatoriale della Lazzari significa che sapeva esattamente cosa significa per i segni produrre durata e silenzio contemporaneamente.

L'opera si relaziona con i minimalisti americani dello stesso decennio — Donald Judd, Agnes Martin — pur operando in modo del tutto indipendente da quel contesto transatlantico. La Lazzari ebbe scarso accesso agli sviluppi della pittura astratta americana durante i decenni di isolamento fascista, e la sua pratica del segno si sviluppò dalla propria logica pittorica piuttosto che dall'influenza. Questa indipendenza conferisce alla serie Misure un carattere che è contemporaneamente parallelo e distinto dai suoi più stretti analoghi internazionali.

Una delle ultime tele completate dalla Lazzari prima della sua morte nel 1981, Acrilico K appartiene alla serie di opere acriliche a lettera singola della fine degli anni '70 che rappresentano l'espressione più ridotta del suo linguaggio maturo. In questo periodo era quasi cieca, lavorando con i segni più grandi possibili che la sua vista residua poteva tracciare. Il paradosso è che la limitazione produsse espansione: le linee divennero più grandi, gli spazi tra di esse si aprirono ulteriormente, e le composizioni raggiunsero una qualità monumentale che le opere Misure di scala più piccola non avevano richiesto. Ogni segno ora porta il peso completo del quadro piuttosto che contribuire a un ritmo di molte unità uguali.

La serie acrilica degli ultimi anni della Lazzari è stata al centro della più significativa attività espositiva postuma, inclusa la retrospettiva di Palazzo Citterio a Milano nel 2025 e l'indagine Women in Abstraction del Centre Pompidou del 2021. Queste opere confermano che la riduzione dei mezzi nel suo ultimo decennio non fu diminuzione ma la logica finale di un impegno lungo tutta la carriera a fare di più con meno. Acrilico K è tra le dichiarazioni più complete di tale impegno.