Nove discorsi su Commodo Parte Vii di Cy Twombly
Nove discorsi su Commodo, Parte VII
Il dialogo di Cy Twombly con la storia e il gesto
Pochi artisti hanno unito l'energia grezza dei graffiti con il peso del mito classico in modo così convincente come Cy Twombly. In *Nove discorsi su Commodo, Parte VII*, il pittore americano incanala il regno caotico dell'imperatore romano Commodo—una figura nota per la sua megalomania e brutalità—attraverso un linguaggio di frenetici scarabocchi, gessetti sfumati e aggressive cancellature. L'opera appartiene a una serie del 1963 in cui Twombly dissezionava la vita di Commodo in nove parti, ogni pannello un saggio visivo su potere, decadenza e la fragilità dell'eredità. A differenza della pittura storica tradizionale, l'approccio di Twombly non è illustrativo ma incarnato: la tela diventa un luogo di lotta, dove ogni segno sembra un confronto tra la mano dell'artista e il peso del passato.
Il dominante fondo bianco della composizione, lacerato da anelli di grafite e sprazzi di rosso, evoca sia una lavagna che un campo di battaglia. Come ha notato il Museum of Modern Art, l'opera di Twombly spesso "collassa il tempo", e qui l'antico e l'immediato si scontrano. I numeri romani scarabocchiati—VII—ancorano l'opera nella sua sequenza, mentre le linee a spirale suggeriscono la natura ciclica della storia stessa. Non c'è un unico punto focale; invece, l'occhio è attratto da un ritmo di gesti che sembrano allo stesso tempo deliberati e impulsivi. Questa tensione tra controllo e abbandono è centrale nella pratica di Twombly, dove l'atto di segnare la superficie diventa tanto significativo quanto i segni stessi.
Twombly e la reinvenzione dell'Espressionismo Astratto
All'inizio degli anni '60, l'Espressionismo Astratto era stato codificato in uno stile associato alla mascolinità eroica e all'angoscia esistenziale. Twombly, tuttavia, ha preso l'enfasi del movimento sul processo e l'ha spinta in un territorio inesplorato. Laddove le gocce di Pollock suggerivano energia cosmica e i campi di colore di Rothko evocavano trascendenza spirituale, l'opera di Twombly—in particolare nella serie *Nove discorsi*—appariva letteraria. Le sue tele non erano solo superfici ma pagine, piene di allusioni alla poesia, alla mitologia e all'antichità classica. Questa dimensione intellettuale lo distingueva dai suoi colleghi della Scuola di New York e lo allineava più strettamente alle tradizioni europee, dalla casa adottiva di Cy Twombly a Roma ai suoi dialoghi con artisti come Alberto Burri.
La serie *Commodo* emerse durante un periodo di intensa sperimentazione per Twombly. Trasferitosi in Italia nel 1957, era immerso nella luce mediterranea, nelle rovine e nella storia stratificata dell'Impero Romano. L'imperatore Commodo—che regnò dal 180 al 192 d.C. e il cui regno segnò il declino dei "Cinque Buoni Imperatori"—divenne un simbolo di tracotanza e instabilità. La scelta di Twombly di confrontarsi con questa figura non fu arbitraria: l'ossessione di Commodo per il combattimento gladiatorio e la sua eventuale assassinio riflettevano l'affascinazione dell'artista per i cicli di creazione e distruzione. Come hanno osservato i curatori della Tate, l'opera di Twombly di quest'epoca "usa il passato per interrogare il presente", una strategia che risuona profondamente in *Parte VII*, dove la violenza dell'era di Commodo appare inquietantemente contemporanea.
I *Nove discorsi* di Twombly non illustrano la storia, la rappresentano. La tela diventa un palcoscenico dove la mano dell'artista e lo spettro di Commodo si impegnano in un duello silenzioso ed eterno.
La fisicità del pensiero: come è stata realizzata la *Parte VII*
La superficie come luogo di cancellazione
Il fondo bianco della *Parte VII* non è immacolato ma lavorato: un palinsesto di segni cancellati e sovrascritti. Twombly spesso usava pittura per pareti come base, applicata in strati sottili e irregolari che permettevano alla texture della tela di rimanere visibile. Su questo, ha impiegato pastelli a cera, grafite e pittura a olio in un processo che comportava tanto la rimozione quanto l'aggiunta. Le linee a spirale—alcune sicure, altre esitanti—suggeriscono una mente in movimento, dove i pensieri vengono formati e scartati in tempo reale. Gli accenti rossi, applicati con un'urgenza irregolare, evocano il sangue o la ceralacca dei decreti imperiali, collegando i gesti astratti al loro soggetto storico.
Il ruolo del testo e dei numeri
A differenza di opere precedenti in cui Twombly incorporava poesie o nomi leggibili, la *Parte VII* riduce il testo alle sue forme più elementari: il numero romano VII e una serie di scarabocchi illeggibili. Il numero serve sia come titolo che come dispositivo strutturale, ancorando la composizione nella sua sequenza mentre i segni circostanti si dissolvono in puro ritmo. Il contrasto tra la precisione del numero e il caos degli anelli crea una tensione centrale per la potenza dell'opera. L'uso del testo da parte di Twombly qui non riguarda la comunicazione ma la presenza—il modo in cui parole e numeri possono ossessionare uno spazio molto tempo dopo che il loro significato è svanito.
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Fonti e Approfondimenti
- Museum of Modern Art. "Cy Twombly: Cicli e Stagioni." moma.org
- Tate. "Cy Twombly: Una Retrospettiva." tate.org.uk
- The Art Story. "Cy Twombly: Opere e Analisi." theartstory.org
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