Mangiami La Gola O La Lussuria 1976 di Lygia Pape
Eat Me. The Gluttony or Lust
Il Dialogo Provocatorio di Lygia Pape con il Corpo e il Desiderio
Emergendo dal movimento radicale neoconcretista nel Brasile degli anni '70, Eat Me. The Gluttony or Lust si distingue come una delle opere più provocatorie di Lygia Pape. Creata nel 1976, questa opera distilla la fascinazione di tutta una vita dell'artista per la fragilità del corpo e le tensioni viscerali tra piacere e consumo. Il titolo stesso – un comando diretto, quasi imperativo – inquadra l'opera come un invito e un avvertimento, una dualità che permea l'opera di Pape. A differenza delle sue precedenti astrazioni geometriche, questa composizione si inclina verso il grottesco, utilizzando forme organiche e una palette che oscilla tra il carnale e il clinico. L'opera riflette la turbolenza politica del Brasile dell'epoca, dove censura e repressione rendevano il corpo un sito conteso di controllo e liberazione.
L'approccio di Pape qui diverge dal freddo razionalismo dell'arte concreta, abbracciando invece il disordinato, il tattile e il psicologicamente carico. Le texture stratificate e le forme ambigue dell'opera resistono a una facile interpretazione, richiedendo agli spettatori di confrontarsi con il proprio disagio. Come nota la retrospettiva del MoMA su Pape, le sue opere successive spesso "armavano la sensualità" per criticare le norme sociali, ed Eat Me esemplifica questa strategia. L'immediatezza grezza dell'opera – ottenuta attraverso tecniche miste su carta – crea una tensione tra il fatto a mano e il meccanico, un segno distintivo della capacità di Pape di fondere l'artigianato con il rigore concettuale.
Neoconcretismo e la Politica del Corpo
Verso la metà degli anni '70, Lygia Pape aveva da tempo abbandonato il rigoroso formalismo della sua prima carriera, convogliando invece le sue energie in opere che interrogavano potere, genere e forma umana. Eat Me. The Gluttony or Lust arrivò in un momento cruciale: la dittatura militare brasiliana (1964–1985) era entrata nella sua fase più repressiva, e artisti come Pape usarono la loro pratica per sovvertire le narrazioni controllate dallo stato. A differenza dei suoi contemporanei nel movimento neoconcretista — come Hélio Oiticica o Lygia Clark — il lavoro di Pape di questo periodo spesso evitava elementi partecipativi in favore di immagini provocatorie. Quest'opera, con il suo titolo suggestivo e le astrazioni carnose, si confronta direttamente con temi di consumo, sia letterale che metaforico.
La creazione dell'opera coincise con l'interesse crescente di Pape per il corpo come sito di resistenza. Mentre la sua serie Divisor degli anni '60 esplorava l'identità collettiva attraverso tessuti e movimento, Eat Me si rivolge all'interno, concentrandosi sulla relazione dell'individuo con il desiderio e l'eccesso. Le superfici stratificate dell'opera — in parte disegno, in parte collage — riflettono la complessità dei suoi temi, rifiutando la piattezza dell'astrazione modernista in favore di una densità più viscerale, quasi barocca. Come osserva The Art Story, le opere successive di Pape "smantellano il confine tra arte e vita", e quest'opera incarna tale ethos attraverso la sua materialità senza compromessi.
Eat Me di Pape non si limita a rappresentare la gola, ma la mette in atto. Le superfici tattili e le forme ambigue dell'opera costringono gli spettatori a confrontarsi con la propria complicità nei sistemi di consumo, siano essi politici, sessuali o economici.
La Creazione di una Provocazione
Composizione: Frammentazione e Flusso
La composizione dell'opera sfida l'equilibrio tradizionale, impiegando invece uno squilibrio deliberato per turbare lo spettatore. Pape dispone forme organiche, quasi viscerali, in un modo che suggerisce sia crescita che decadimento: le forme sembrano pulsare verso l'esterno dal centro, solo per dissolversi in bordi frastagliati. Questa tensione tra espansione e collasso rispecchia le preoccupazioni tematiche dell'opera sul desiderio e le sue conseguenze. L'assenza di un chiaro punto focale costringe l'occhio a vagare, replicando la qualità irrequieta e insaziabile implicata dal titolo.
Materialità: Il Tattile e il Trasgressivo
L'uso di tecniche miste da parte di Pape – inchiostro, guazzo ed elementi collage – crea una superficie che riguarda tanto la texture quanto l'immagine. I materiali stratificati producono una qualità tattile che attrae e respinge in egual misura, proprio come il soggetto dell'opera. Aree di pigmento denso contrastano con sezioni in cui la carta stessa diventa parte della composizione, con la sua grana e i suoi strappi che aggiungono al senso di fragilità. Questa onestà materiale sottolinea il rifiuto dell'artificio da parte di Pape, una posizione che la allineava con la richiesta del manifesto neoconcretista di "una nuova oggettività" radicata nell'esperienza vissuta.
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Fonti e Ulteriori Letture
- MoMA. "Lygia Pape: Una Moltitudine di Forme." Il Museo d'Arte Moderna, 2021.
- The Art Story. "Lygia Pape: Neoconcretismo e Oltre." La Fondazione Art Story, 2023.
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