Il Palatino 1958 di Charles Lapicque
Le Mont Palatin
La visione post-bellica del cuore antico di Roma di Charles Lapicque
Le Mont Palatin (1958) cattura l'incontro di Charles Lapicque con il Palatino di Roma, un sito dove le rovine imperiali si scontrano con l'energia moderna pulsante della città. Quest'opera è emersa durante il cambio di carriera tardivo di Lapicque verso soggetti architettonici, una deviazione dai suoi precedenti paesaggi Fauvist. I piani frammentati e gli ocra spenti del dipinto riflettono il suo impegno con i principi cubisti, eppure la sua pennellata grezza, quasi scultorea, rimane distintamente sua. Come la panoramica della Tate su Lapicque osserva, le sue opere del dopoguerra bilanciavano spesso la disciplina geometrica con una superficie indisciplinata ed espressiva – qualità che definiscono questa veduta romana.
Il Palatino, un tempo epicentro dell'antica Roma, divenne per Lapicque una metafora di resilienza. La sua composizione evita il pittoresco, presentando invece la collina come una pila di forme angolari che resistono a una facile lettura. La tavolozza limitata – prevalentemente ombre, bianchi e un'unica striscia di cobalto – evoca la pietra stagionata delle rovine mentre l'impasto spesso suggerisce il peso della storia. A differenza dei suoi contemporanei che romanticizzavano la grandezza di Roma, l'approccio di Lapicque era analitico, trattando il paesaggio come un esercizio di armonia strutturale. Questa stampa preserva la profondità materica dell'originale, dalle pennellate in rilievo del primo piano alle velature quasi trasparenti del cielo.
La sintesi di fine carriera di Lapicque: tra fauvismo e astrazione
Nel 1958, Charles Lapicque aveva passato decenni a oscillare tra l'intensità cromatica del Fauvismo e un approccio più sobrio e strutturale. Il suo primo lavoro sotto l'influenza di Matisse e Derain lasciò il posto a un periodo di sperimentazione cubista negli anni '20, seguito da un ritorno al colore vibrante negli anni '40. Le Mont Palatin appartiene alla sua fase finale, dove distillò queste influenze in un linguaggio di forme essenziali. Lo spazio compresso del dipinto e l'enfasi sulle relazioni planari si allineano con la sua affermazione che "un dipinto dovrebbe essere un oggetto prima di essere una finestra".
Questo periodo vide anche Lapicque impegnarsi con l'École de Paris, sebbene il suo lavoro resistesse a facili categorizzazioni. Mentre i suoi coetanei come Nicolas de Staël perseguivano la pura astrazione, Lapicque mantenne una tensione tra rappresentazione e invenzione. La serie del Palatino—di cui questo è un esempio chiave—rivela il suo metodo: iniziare con schizzi sul posto, quindi rielaborare la composizione in studio per esaltarne il rigore formale. Come documentato nelle collezioni del MoMA delle sue opere degli anni '50, questo processo spesso comportava la raschiatura di strati di pittura per esporre le strutture sottostanti, una tecnica visibile nelle varie texture superficiali della stampa.
La Roma di Lapicque non è una città di monumenti ma un palinsesto di geometrie erose — dove il peso della storia preme contro il piano pittorico.
La creazione di Le Mont Palatin: Tecnica e Materialità
Strategia compositiva
L'armatura del dipinto si basa su una griglia di verticali e orizzontali che ancorano le forme irregolari della collina. Lapicque ha diviso la tela in tre fasce irregolari: la muratura frastagliata in primo piano, le terrazze a gradoni a metà campo e la stretta striscia di cielo blu. Questa struttura tripartita crea un senso di movimento ascendente, bilanciato dalla massa scura in basso a sinistra. L'assenza di un punto di fuga costringe lo spettatore a scansionare la superficie, scoprendo le relazioni spaziali attraverso il colore e i bordi piuttosto che la prospettiva.
Superficie e Pigmento
Un'attenta analisi rivela la stratificazione di passaggi opachi e trasparenti di Lapicque. I bianchi e i crema nelle rovine sono stati applicati con uno spesso strato di spatola, mentre i blu e i verdi nelle ombre sono stati diluiti per permettere agli strati sottostanti di trasparire. Questa interazione di aree opache e luminose conferisce alla stampa la sua qualità tattile. La versione incorniciata utilizza un vetro non riflettente che preserva queste sottigliezze, evitando il bagliore che può appiattire le opere materiche.
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La palette terrosa e la tensione geometrica della stampa la rendono sorprendentemente versatile. In uno studio o in una biblioteca, le sue tonalità attenuate si abbinano a mobili in legno scuro e libri rilegati in pelle, mentre la composizione angolare riecheggia le linee del modernismo di metà secolo. Per gli interni contemporanei, abbinala a mobili minimalisti in nero o bianco — il contrasto materico della stampa ancorerà lo spazio. La dimensione 30×40 cm si adatta sia a pareti galleria intime che a composizioni più grandi; appendila all'altezza degli occhi (centrata a 145–150 cm dal pavimento) per enfatizzare le sue qualità architettoniche. Evita ambienti eccessivamente luminosi, poiché la luce diretta può sbiadire le sottili velature nel cielo.
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Fonti e ulteriori letture
- Tate. "Charles Lapicque." Tate.org.uk.
- The Museum of Modern Art. "Charles Lapicque: Composizione." MoMA.org.
- The Art Story. "Charles Lapicque: Modernismo del dopoguerra." TheArtStory.org.
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